Рубрикатор: 1. Концепция 2. Истоки: Академия 3. Расцвет салонного искусства в XIX веке 4. Салонная живопись сегодня 5. Заключение
Сэр Фредерик Лейтон, 1881 «Идиллия»
Концепция
Данное визуальное исследование посвящено развитию салонного искусства, от зарождения до современного его преобразования. В исследовании будет описание салонного искусства как явления в мире и приведены соответствующие примеры работ. Также важно установить, какие именно признаки делают ту или иную картину подходящей к определению салонного искусства.
Я выбрала данную тему, так как меня заинтересовало, что именно делает искусство «безопасным» и «легким» в плане понимания, то есть для большинства людей. Также немаловажным является интерес развития данного искусства. Можем ли мы сопоставить те же признаки традиционной салонной картины XIX века с современным приятным на вид декоративным полотном?
Исследование главным образом подразумевает собой выявление общих признаков салонного искусства в его расцвете и сопоставление их с современными работами.
Истоки: Академия
Определение салонного искусства
Салонное искусство — это искусство, которое начало развиваться преимущественно в XIX веке и получившее огромное распространение. Его зарождение случилось с организацией первых выставок художников, со временем становившихся все более значимыми в обществе. Исходя из огромной популярности салонов, художники, чьи картины прошли, получали признание. Но, чтобы завоевать известность в обществе, нужно было предоставлять «безопасное» и всем понятное искусство, которое зачастую не несло в себе никакой смысловой ценности, кроме мастерства и «пустой» красоты.
Зарождение правил салонного искусства
В середине XVII века во Франции была создана Королевская академия живописи и скульптуры. Её главной задачей было обучать художников и задавать единые стандарты мастерства. Академия решила, что искусство должно следовать строгим правилам: правильный рисунок, идеальные пропорции и композиции, гладкая техника и установленные сюжеты, в основном из Библии, различные возвышенные сюжеты из античности и мифологии.
Франсуа Буше, 1758 «Мадонна с младенцем и маленьким Иоанном Крестителем. Рождество»
Два раза в год Академия устраивала публичные выставки в Большом салоне Лувра — отсюда и пошло слово «салонное» искусство. Изначально этот термин не имел сомнительной репутации, какую приписали ему в дальнейшем. Чтобы попасть на такую выставку, художник должен был получить одобрение академического жюри и в некоторых случаях получить благосклонность власти. А это означало, что его работа обязана соответствовать установленным академическим нормам: никакой небрежности, никаких грубых или слишком простых тем, никакой свободы в нарушении правил.
Жак-Андре-Жозеф Авед, 1746 «Портрет П.Ж. де Кребийона»
Большой пласт искусства Академии и впоследствие салонного искусства занимают портреты, так как данный вид живописи идеально подходит для подобных выставок. В портретах можно четко отследить мастерство художника и они всегда следуют общим канонам. Но самое важное, что именно портреты являлись популярными запросами среди публики, что вынуждало художников раз за разом рисовать людей, следуя одинаковым тенденциям.
Жак-Андре-Жозеф Авед, 1746 «Портрет П.Ж. де Кребийона»
1. Франсуа Буше, 1759 «Портрет мадам де Помпадур» 2. Франсуа Буше, 1756 «Мадам Бержере»
Портрет являлся самым стабильным пластом салонного искусства
Анри Жерве, 1885 «Заседание жюри по живописному отделу парижского салона»
Художники, желавшие успеха и заказов, вынуждены были подстраиваться под этот академический вкус. В результате сложился устойчивый стиль: аккуратный, приятный, понятный почти каждому зрителю и не выходящий за рамки дозволенного. Салонное искусство как явление выросло именно из этой системы. Академия создала ему форму, технику и правила.
Таким образом, Академия стала главным фильтром. Она решала, что достойно показать публике, а что — нет.
Расцвет салонного искусства в XIX веке
Популярность Парижских салонов
Франсуа-Жозеф Эйм, 1827 «Карл X распределяет награды на салоне 1824 года»
В XIX веке салонное искусство достигло своего пика. Особенно это заметно во Франции, где официальные выставки — Парижские салоны, стали главным событием художественной жизни. Тысячи зрителей приходили посмотреть на огромные полотна, аккуратные портреты и идеализированные пейзажи. Попасть в салон означало получить признание, выгодные заказы и известность.
Салон в Лувре, 1753 год «Гравюра Габриеля де Сент-Обена. 1753 год»
Выставляться в Салонах разрешалось только членам Академии и кандидатам в академики — их и называли «допущенными».
В это время сложился типичный «салонный стиль»: гладкая, почти невидимая живопись, приятные сюжеты (цветы, красивые женщины, исторические сцены без жестокости), никакой нарочитой грубости или незаконченности. Художники вроде Бугро и Кабанеля пользовались огромной популярностью — их работы покупали коллекционеры из разных стран.
1. Вильям Бугро, 1879 «Рождение Венеры» 2. Вильям Бугро, 1873 «Нимфы и сатир»
Александр Кабанель, 1863 «Рождение Венеры»
Жак Луи Давид, 1799 год «Сабинянки, останавливающие битву»
В данной картине Жака Луи Давида «Сабинянки, останавливающие битву» можно четко отследить цель художников салонного искусства. Несмотря на, казалось бы, жестокий сюжет, полотно выглядит ярко и скорее увлекательно, а не отталкивающе, как обычно подразумевается в суровых сценах. За счет красочных цветов, идеальной композиции создается четкое впечатление выверенности и идеализации, благодаря чему картина развлекает, а не показывает ужас реальной битвы.
Признаки устоявшегося салонного искусства конца XIX и начала XX
Фредерик Лейтон, 1878 «Наматывание клубка нитей»
Стоит отметить, что одним из важнейших признаков салонного искусства — это навязывание. Все установленные правила, каноны и традиции должны были соблюдаться художниками и непосредственно определять вкус и предпочтения публики. Салонное искусство как бы пытается направлять человека, твердя ему, что такое красота, «возвышенность» или чувство прекрасного.
Лоуренс Альма-Тадема, 1883 «Встреча Энтони и Клеопатры»
Еще один признак — театральность. В салонном искусстве Парижа существовала задача развлечь зрителя, именно поэтому картина должна завладеть вниманием с первого взгляда. Для этого часто применялись как театрально драматичные сюжеты, так и техника письма, которая подразумевала собой использование ярких, но при этом приятных красок и контраста света и тени.
Дж. У. Годвард, 1904 «Прекрасная праздность»
Также немаловажная характеристика салонного искусства заключается в эстетичной красивости картины. На подобные полотна в таком стиле всегда должно быть приятно смотреть, несмотря на возможные драматичные сюжеты и т. д. Это во многом проявляется в мастерской технике художника, выверенной до малейших деталей. Для таких мастеров было придумано специальное название — рисовальщики, так как в данном слове акцент идет именно на ремесленные умения человека.
1. Эдвард Джон Пойнтер, 1889 «Римская лодочная гонка» 2. Эдвард Джон Пойнтер, 1882 «Психея в храме Любви»
Тиражность и коммерция также являются неотъемлемыми признаками салонного искусства. Так как оно создавалось в качестве развлечения и наслаждения для публики, то приобрело статус общедоступного искусства, которое всегда будет востребовано. Публика реагирует на работы салонного искусства, устоявшиеся традиции которого определяют непосредственно сами салоны. Таким образом, тиражность формируется исходя из популярности и общей красивости искусства, которое всегда готовы принять в салонах.
Лоуренс Альма-Тадема, 1906 «Пожалуйста, не спрашивай меня»
И заключительным признаком, который будет выделен в данном исследовании, является консерватизм и отсутствие какого либо новаторства. Салонное искусство — это в первую очередь что-то безопасное и понятное, что никогда не шокирует и потрясет. Это «золотой стандарт» искусства, каноны которого не склонны меняться.
Таким образом, можно выделить один главный признак — стандартизация искусства
Салонная живопись сегодня
Юстина Копаня, 21 век Название не известно
В современном мире термин «салонное искусство» используется гораздо реже, однако это не означает, что само явление пропало без каких-либо следов. Однако сегодня салонное искусство в качестве салонов исчезло, но многие тенденции до сих пор сохранились. Разумеется, сегодняшнее салонное искусство хаотично, так как у него нет единой системы и стандартизации, как это было в XIX веке.
Юстина Копаня, 21 век Название не известно
Отличия от салонного искусства XIX и XX веков
Самым главным отличием, без которого не существовал ни один салон XIX века, является стандартизация. Как было зафиксировано ранее, именно стандартизация всех произведений поддерживала «золотой стандарт» салонного искусства среди других работ. Но в современном мире из-за глобализации существующие стандарты быстро исчезают или же смешиваются с чем-то другим, именно поэтому современное «приятное искусство» хаотично в правилах и канонах.
Гарматарова Аюна, 21 век Натюрморт № 5
Также важно отметить, что сегодня не существует «монополии» подобного искусства, как раньше. В прошлом именно Парижский салон являлся единой выставкой и стандартом, куда все хотели попасть. Сегодня же существует множество различных выставок и салонов, которые не сводятся в итоге к какому то единому месту, соответственно стандарт в качестве незыблемой истины исчез.
Сергей Маршенников, XXI век Точное название не известно
Возвращаясь к первому отличию — отсутствию стандартизации, можно выделить многообразие стилей, техник письма и воплощения работы. На сегодняшний день человек более открыт к разным вариантам создания работ. Начиная от живописи (акварель, масло, гуашь и т. д.), заканчивая ремесленными техниками (вышивка и т. д.) — все это сейчас может использоваться и быть востребованным среди публики.
Джереми Манн, XXI век Точное название не известно Масло на деревянных панелях
Схожие признаки с салонным искусством XIX и XX веков
Самый очевидный схожий признак — это красивость и эстетичный вид. Со временем люди не утратили желание лицезреть что-то прекрасное и развлекательное, эта потребность будет всегда. Исходя из этого, визуальная приятность — то, что осталось в современном мире от салонного искусства в прошлом.
Дмитрий Лёвин, XXI век Точное название не известно
Лоран Парселье, XXI век Точное название не известно
Еще одна схожесть — это коммерция и тиражность. Как и во времена салонов, сегодня существуют запросы публики, которые могут повторяться раз за разом. Несмотря на свободу вкусов и желаний, подобное искусство все равно обречено на повторение.
Жозеф Лорассо, XXI век Точное название не известно
Сегодняшнее подобное салонному искусство также не требует от зрителя напряженности и не заставляет его думать о чем-то негативном. Это всегда какие-то расслабленные сюжеты, или же композиции, выполненные в непринужденном или же позитивном стиле, чтобы не омрачать публику.
Алексей Чернигин, XXI век Точное название не известно
Если подытожить, то современное салонное искусство почти не существует в его историческом понимании. Оно превратилось скорее в свободное декоративное искусство без ограничений и четких правил.
Заключение
Исходя из вышеперечисленной информации, можно сделать вывод, что салонное искусство является определенным историческим явлением, которое не может существовать в полном его смысле на сегодняшний день. Его сейчас можно описать больше как декоративное искусство, чем сложившийся четкий феномен с единой системой. Причина преобразования салонного искусства — это глобализация и неизменное развитие человечества, где строгий консерватизм вряд ли сможет долго просуществовать. Человек жаждет пробовать что-то новое и различное, что и привело к разрозненному пласту салонного искусства.
Нил Саймон, XXI век Точное название не известно
Творческий проект
Идея проекта
Идея проекта заключается в том, чтобы объединить два противоположных друг друга направления в искусстве: голландский натюрморт и коллаж дадаизма.
Голландский натюморт принято считать «стабильным» видом салонного искусства, который создается по определенным канонам и правилам. Несмотря на то, что голландский натюрморт наполнен символизмом, он все равно является эстетически приятным искусством.
Дадаизм же существует, чтобы нарушать уже установленные правила. Итак, парадокс проекта в том, как сохранить общий смысл, при этом разрушив и исказив прошлые каноны и техники воплощения.
Проект воплощается в серии плакатов-коллажей, каждый из которых символизирует одну из главных тем голландского натюрморта, а именно: — бренность бытия — религиозное назидание — прославление земного мира
Бренность бытия
Религиозное назидание
Прославление земного мира
https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9F%D0%B0%D1%80%D0%B8%D0%B6%D1%81%D0%BA%D0%B8%D0%B9_%D1%81%D0%B0%D0%BB%D0%BE%D0%BD#/media/%D0%A4%D0%B0%D0%B9%D0%BB: Fran%C3%A7ois_Joseph_Heim_Distribution_des_r%C3%A9compenses_Salon_de_1824, _le_15_janvier_1825.jpg
