Инсталляции из пряжи
Страна: Япония / Германия Работа: различные серии «The Key in the Hand», «During Sleep» Память: предметная, чувственная Художественные приёмы: нити, заполняющие пространство; окутывание предметов; подвесные конструкции.
Творчество японской художницы Тихару Сиоты представляет собой концептуальное исследование памяти как системы невидимых связей, материализованных через масштабные инсталляции. Художественный метод Сиоты основан на создании плотных пространственных паутин из шерстяных нитей, в которые интегрированы знаковые объекты-артефакты: ключи, чемоданы, кровати, письма.
Сиота Тихару, персональная выставка: Павильон Японии, 56-я Венецианская биеннале — «Ключ в руке», 2015.
«Ключ в руке» («The Key in the Hand»)
Работа была создана для павильона Японии на Венецианской биеннале 2015 года. Для инсталляции Сиота собрала более 50 000 настоящих ключей, присланных людьми со всего мира — семьями, организациями, школами, частными лицами. Ключи передавались художнице добровольно и часто сопровождались короткими историями.Все ключи подвешены к массивной структуре из красных нитей, заполняющих потолок павильона. Нити образуют огромный трёхмерный свод, под которым стоят два деревянных рыбацких судна. Монтаж выполнялся вручную: команда художницы натягивала тысячи нитей, закрепляя на них ключи один за другим.
В работе «The Key in the Hand» (2015) красная нить выступает метафорой кровеносной системы коллективной памяти, где тысячи ключей, собранных у людей по всему миру, символизируют личные воспоминания, образуя единое мнемоническое поле.
Сиота была вдохновлена идеей связи между людьми и предметами, которые они оставляют. Ключ — предмет из повседневной жизни, который хранит память о доме, комнате, семье или важном периоде. Красная нить — постоянный мотив её творчества, который она связывает с отношениями, связями, линиями жизни. Лодки в работе символизируют переносимость опыта, путешествие, движение через время.
Личный опыт художницы также важен: она много лет живёт между Японией и Европой, и тема поиска дома, перемещения и сохранения внутренних связей — одна из центральных в её практике.
«The Key in the Hand» показывает память через реальные предметы, хранящие следы человеческой жизни. Собранные вместе ключи создают плотное поле коллективных историй, а красные нити формируют визуальную структуру связей между ними. Инсталляция превращает множественные индивидуальные воспоминания в единое материальное пространство.
Сиота Тихару, групповая выставка: «Другой мир — истории из двенадцати спален» Художественный музей Люцерна, Люцерн, Швейцария — «Во время сна», 2002
«Во время сна» («During Sleep»)
была создана в Kunstmuseum Luzern в 2002 году. Для неё Сиота установила в пустом белом помещении металлические кровати, вокруг которых вручную натянула сотни метров чёрной шерстяной нити. Нити образуют плотную пространственную сеть, словно серия переплетённых линий, связывающих кровати со стенами, потолком и друг с другом. Монтаж занял много дней: каждая нить натягивалась вручную.В инсталляции используются металлические кровати, чёрная шерстяная нить, пустое белое пространство и мягкое направленное освещение. Нити образуют очень плотную сетчатую структуру, которая отбрасывает сложные тени на стены и пол. Инсталляция создаёт ощущение, будто кровати зафиксированы в «паутине» из нитей.
Основой работы стали размышления о ночи, сне и человеческой уязвимости. Сиота рассказывала, что в детстве часто боялась ночи и переживала сложные сны — этот опыт перешёл в её художественный язык. Пустая кровать для неё — это предмет, который хранит след человека, его присутствие, даже когда он отсутствует. Чёрная нить — это мотив, который художница использует для создания образов внутренних связей, путей мыслей, переживаний и эмоций.
Инсталляция «During Sleep» (2002) визуализирует переход индивидуальной памяти в область сновидений: парящие над кроватями черные паутины становятся телесным воплощением тревог, желаний и невысказанного опыта.
Возврат к установке/эксплуатации 2002–2000 гг. Красная шерсть, Исландия, Фотографии Сунхи Манга
Проекты Сиоты демонстрируют, как с помощью минимальных средств — нити и найденных объектов — можно конструировать среды, позволяющие зрителю физически переживать абстрактные категории связи, времени и воспоминания.
Художница использует нить как универсальный медиатор между материальным и психическим, создавая «топографии памяти», где архитектурное пространство превращается в карту человеческих отношений.
«Home Within Home»
«Дом в доме»Страна: Корея / США Год: 2013 Память: пространственная, мнемоническая адаптация мигрантов, коллективная, память о доме Художественные приёмы: текстильные копии домов, прозрачность, архитектурные оболочки
До Хо Су, персональная выставка: Национальный музей современного искусства (MMCA), Сеул, Южная Корея — «Дом в доме», 2013
Инсталляция
Home Within Home
была создана для Национального музея современного искусства (MMCA) в Сеуле. До Хо Су работал над этой серией более десяти лет, изучая архитектуру мест, где он жил — дом детства в Сеуле, студенческое общежитие, квартиры и дома в Нью-Йорке и Лондоне.Основой инсталляции стала точная текстильная реконструкция корейского дома художника и американского дома, в котором он жил во время обучения. Одна структура помещена внутрь другой, что формирует эффект «дома в доме», отражающий его реальный опыт миграции и переезда.
Каждая архитектурная деталь — дверные рамы, выключатели, окна, лестницы — была тщательно измерена, черчена и воспроизведена в натуральную величину вручную в текстильной мастерской.
Инсталляция выполнена из полупрозрачной окрашенной ткани — чаще всего из тонкого нейлона или полиэстера, натянутого на лёгкий металлический каркас. Ткань прошита так, чтобы имитировать архитектурные линии: швы образуют контуры стен, дверных коробок, наличников, перил, рам.
Конструкция включает: полноразмерные стены из ткани проёмы, которые можно проходить лестницы и коридоры межкомнатные двери, полностью воссозданные в ткани
Прозрачность материала делает дом «воздушным»: зритель может видеть одновременно внешнюю и внутреннюю структуру. Освещение усиливает эффект лёгкости — свет проходит сквозь ткань и создаёт мягкие двойные тени.
Источники вдохновения: Работа выросла из опыта художника как человека, живущего между культурами. Он родился в Сеуле, переехал в США для обучения, затем жил и работал в разных странах.
Основные источники вдохновения: переезд, миграция и потеря ощущения устойчивого дома личные воспоминания о корейском детстве контраст архитектурных традиций США и Кореи желание «переносить» дом с собой в нематериальной форме интерес к памяти, встроенной в пространство
В интервью До Хо Су говорил, что каждый дом, в котором он жил, «врастал в него», поэтому он начинает воспринимать архитектуру как продолжение собственного тела. Эта мысль перешла в формат работы: дом как тень, оболочка, личная карта.
До Хо Су, персональная выставка: Национальный музей современного искусства (MMCA), Сеул, Южная Корея — «Дом в доме», 2013
Home Within Home визуализирует память через архитектуру, переведённую в прозрачный материал. Тканевые стены становятся метафорой того, что дом существует не только как физическое место, но и как хрупкое внутреннее воспоминание.
Воссоздавая дома в масштабе 1:1, художник показывает память как пространство, которое остаётся внутри человека, даже когда он переезжает. Прозрачность ткани подчёркивает неустойчивость воспоминаний, их «проницаемость» и способность смешиваться.
Комбинация двух домов — корейского и американского — отражает состояние мигранта: память о прошлом и реальность настоящего сосуществуют одновременно, накладываясь друг на друга.
До Хо Су, персональная выставка: Национальный музей современного искусства (MMCA), Сеул, Южная Корея — «Дом в доме», 2013
До Хо Су, персональная выставка: Национальный музей современного искусства (MMCA), Сеул, Южная Корея — «Дом в доме», 2013
До Хо Су, персональная выставка: Национальный музей современного искусства (MMCA), Сеул, Южная Корея — «Дом в доме», 2013
До Хо Су, персональная выставка: Национальный музей современного искусства (MMCA), Сеул, Южная Корея — «Дом в доме», 2013
До Хо Су, персональная выставка: Национальный музей современного искусства (MMCA), Сеул, Южная Корея — «Дом в доме», 2013
«Your Blind Passenger»
«Твой слепой пассажир»Страна: Исландия / Дания Год: 2010 Память: телесная, сенсорная
Художественные приёмы: туннель тумана, лишение зрения, работа с атмосферой
Олафур Элиассон Ваш «Слепой пассажир» 2010, изображение предоставлено студией Olafur eliasson
Процесс создания инсталляции
Для этого проекта Олафур Элиассон построил длинный прямолинейный коридор примерно 90 метров длиной, полностью заполненный густым искусственным туманом. Сам коридор имеет простую форму — это вытянутое помещение без окон и без дополнительных объектов внутри. Стены, потолок и пол скрыты слоем тумана настолько, что границы пространства становятся неразличимыми.
Когда зритель входит в инсталляцию, видимость снижается до 1–2 метров. Сквозь туман почти не видно пола, контуров людей впереди или сторон. Единственным ориентиром становится рассеянный монохромный свет, который плавно меняет оттенки — от тёплого желтоватого к холодному белесому.
Чтобы создать это пространство, Элиассон использовал промышленное оборудование для генерации тумана (на основе смеси воды и мелкодисперсных частиц), а также продуманную вентиляционную систему, которая удерживает плотность тумана на стабильном уровне на протяжении всей длины коридора. Весь туман равномерно распределён, без участков разрежения, что создаёт ощущение полной визуальной неопределённости.
Олафур Элиассон Ваш «Слепой пассажир» 2010, изображение предоставлено студией Olafur eliasson
Туннель, заполненный густым туманом, почти полностью лишает зрителя зрения и вынуждает опираться на другие чувства. Элиассон использует ограниченную видимость как способ «обнулить» привычный визуальный опыт и показать, что восприятие пространства и себя может стать событием памяти и переоткрытия тела.
Элиассон визуализирует память через обнуление зрения: густой туман стирает пространство. Лишая зрителя зрения, Элиассон активирует другие формы внутренней памяти.
Зритель начинает воспринимать телом, а не глазами.
«Roden Crater»
«Кратер Роден»Страна: США Год: 1977–н.в. Память: «первичная»
Художественные приёмы: свет, пространство, «небо как материальный объект»
Кратер Роден, сайт Sunset.jpg Кратер Роден, закат © Джеймс Таррелл, фотография Флориана Хольцерра
Roden Crater — это долгосрочный лэнд-арт-проект внутри потухшего вулкана в Аризоне, который Джеймс Таррелл приобрёл в 1977 году. С момента покупки художник вручную, с помощью архитекторов, инженеров-строителей, геологов и астрономов, создаёт внутри кратера сеть тоннелей, коридоров и световых камер. Проект включает земляные работы, укрепление пород, создание ходов, прокладку лестниц, формирование площадок и световых шахт. Все элементы создаются так, чтобы внутри кратера не было искусственного света — только естественный дневной, ночной и астрономический.
Восточный портал_самый высокий сайт.jpg Восточный портал © Джеймс Таррелл, фотографии Флориана Хольцерра
В Roden Crater нет объектов искусства. Здесь есть только свет, небо, воздух и построенные коридоры.
Когда зритель сидит в тишине и смотрит на небо через круглые и прямоугольные проёмы, он видит изменения цвета, глубины, контрастов — то, что обычно никогда не замечает в повседневности.
Это похоже на работу памяти: не чёткие образы, а состояние, ощущение, изменение света и воздуха.
Джеймс Таррелл, «Затенённая чаша в сером», 1992. Майларовая плёнка, пчелиный воск, эмульсия, чернила, ликвитекс, восковая пастель, 39 ½×39 дюймов. Коллекция Фонда Ланнана.
Джеймс Таррелл, «Портфолио глубокого неба», 1987. Акватинта на бумаге, 22×30 дюймов. Коллекция Фонда Ланнана. Джеймс Таррелл, Коллекция Фонда Ланнана.
Таррелл превращает кратер в инструмент переживания света — почти мифологическую память человечества.
Энн Гамильтон — событие нити (2012)
«The Event of a Thread»
«Событие нити»Страна: США Год: 2012 Память: сенсорная, коллективная
Художественные приёмы: гигантское двигающееся полотно, звук, взаимодействие зрителей
Полотно движется от людей в зале — память становится процессом, который мы создаём вместе.
Событие в мире искусства Инсталляция Энн Гамильтон в Оружейной палате на Парк-авеню, на которых посетители раскачиваются, создавая огромный занавес. Фото: Филип Гринберг для The New York Times.
Инсталляция в Park Avenue Armory объединяет гигантское подвешенное полотно, качели, звук голосов и присутствие зрителей. Художница понимает работу как «социальное переплетение», в котором движение каждого тела превращает ткань в живой регистр совместного опыта и общей памяти, создаваемой здесь и сейчас. Зрители становятся «нитями» общей ткани.
Билл Виола (Bill Viola) «The Reflecting Pool»
«Отражающий бассейн» Страна: США Год: 1977–1979 Тип памяти: временная, созерцательная, внутренняяbigИсходный размер 2592×1728 Билл Виола «Зеркальный пруд», 1977–1997 Видео/звуковая инсталляция Палаццо Строцци, Флоренция, Италия, 10 марта — 23 июля 2017 года
В этой видеоработе художник исследует переживание времени как личной памяти. На экране мужчина прыгает в воду — но в момент прыжка изображение останавливается. Фигура застывает в воздухе, словно зависает между будущим и прошлым, тогда как вода продолжает движение.
Виола превращает мгновение в самостоятельное пространство: паузу, где время перестаёт быть линейным. Это ощущение «остановленного момента» напоминает о том, как мы удерживаем пережитое — не как последовательность событий, а как яркие внутренние кадры. Видео становится метафорой памяти, в которой важное никогда не исчезает полностью, а лишь меняет форму.
