Свет как материал и медиум в современном искусстве
Концепция исследования
Джеймс Таррелл, Sustaining Light, 2007
В данном визуальном исследовании я обращаюсь к феномену света как одному из ключевых материалов и медиумов в современном искусстве. Выбор темы обусловлен несколькими факторами: во-первых, свет представляет собой уникальный художественный материал, обладающий одновременно физическими и метафизическими качествами; во-вторых, работа со светом открывает для художников возможности трансформации пространства и зрительского восприятия, что выводит искусство за пределы традиционных форм; в-третьих, свет как медиум позволяет исследовать широкий спектр вопросов — от феноменологии восприятия до социально-политических проблем.
Для исследования я отобрала работы художников, представляющие различные подходы к использованию света. От минималистских световых инсталляций Дэна Флавина до масштабных иммерсивных пространств Олафура Элиассона, от скульптурных объектов Энтони Маккола до социально-политических проектов Кшиштофа Водичко. Такой разнообразный материал позволяет рассмотреть свет как инструмент для создания новых форм взаимодействия со зрителем, переосмысления пространства, а даже как средство для социального высказывания.
Джеймс Таррелл, Unseen Blue, 2002
Исследование структурировано тематически, что позволяет проследить изменения в использовании света в искусстве. Я выделила пять ключевых направлений: 1. свет как минималистский объект 2. свет как средство трансформации пространства 3. свет и время в аудиовизуальных произведениях 4. свет как элемент иммерсивного опыта 5. свет как инструмент социально-политического высказывания Такая рубрикация позволяет охватить различные художественные практики, связанных со светом, проследить их эволюцию и влияние друг на друга.
При подготовке исследования я опиралась на труды искусствоведов и теоретиков искусства, а также на каталоги выставок и монографии о художниках, работающих со светом. Важными источниками также стали высказывания самих художников о своих работах, позволяющие раскрыть их творческие намерения и концептуальные основы произведений. Так как свет — относительно новый медиум в истории искусств, многие художники, пользующиеся им, оставляют свои работы в архивах интернета, что значительно облегчает понимание авторского высказывания. На сайтах художников и музеев часто можно найти сохранившиеся цитаты.
Ключевой вопрос исследования можно сформулировать следующим образом: как художники используют свет для переосмысления границ художественного высказывания и взаимодействия со зрителем? Моя гипотеза состоит в том, что свет в современном искусстве становится не просто визуальным элементом, но и способом моделирования восприятия, эмоционального воздействия и социальной рефлексии. Анализируя отобранные произведения, я хочу показать, что работа со светом позволяет художникам выйти за рамки традиционного объектного искусства и создать новые формы художественного опыта, в которых зритель становится активным участником произведения.
Карлос Круз-Диес. «Chromosaturation», 1965
Свет как минималистский объект
Дэн Флавин. 1961 г.
fluorescent poles shimmer shiver flick out dim monuments of on and off art
Дэн Флавин. «Монумент для В. Татлина», 1966-1969//Дэн Флавин. «Монумент для В. Татлина», 1969-1970
В серии работ «Монумент для В. Татлина» Дэн Флавин обращается к наследию русского конструктивизма, переосмысляя знаменитый проект Владимира Татлина «Памятник III Интернационалу» (1919-1920). Флавин использует стандартные люминесцентные лампы белого цвета, расположенные в виде убывающей пирамидальной структуры, отсылающей к спиральной форме проекта Татлина. Эта работа является ярким примером минималистского подхода Флавина к использованию света как материала искусства.
В отличие от традиционных скульптур, «Монумент для В. Татлина» существует не только как физический объект, но и как источник света, трансформирующий окружающее пространство. Свет от люминесцентных ламп распространяется за пределы самого произведения, размывая его границы и вовлекая зрителя в сложную игру восприятия. Холодное свечение ламп создает особую атмосферу, которая контрастирует с утопическими идеалами конструктивизма, на которые ссылается автор. Таким образом, Флавин не просто отдает дань уважения авангардному наследию, но и критически переосмысляет его через призму современного искусства минимализма.
Дэн Флавин. «Untitled (to Donna) II», 1971
«One might not think of light as a matter of fact, but I do. And it is, as I said, as plain and open and direct an art as you will ever find.» — объяснял свои идеи художник.
В работе «Untitled (to Donna) II» Дэн Флавин использует несколько флуоресцентных ламп разных цветов, создавая диагональную композицию, которая активно взаимодействует с архитектурным пространством. Эта инсталляция демонстрирует характерный для Флавина минималистский подход к свету как к самодостаточному художественному материалу. Художник отказывается от создания сложных форм или нарративов, сосредотачиваясь на чистом визуальном восприятии света и цвета. Особенность этой работы заключается в способе, которым Флавин исследует взаимодействие различных цветов света. Когда разноцветные лампы расположены рядом, их свечение смешивается, создавая новые оттенки и градиенты в окружающем пространстве. Это демонстрирует, как минималистский объект может создавать сложные визуальные эффекты, трансформирующие восприятие зрителя.
Свет как средство трансформации пространства
Карлос Круз-Диес. «Chromosaturation», 1965
«Chromosaturation» Карлоса Круз-Диеса — это знаковая работа в истории светового и кинетического искусства, радикально переосмысляющая роль цвета в художественном восприятии. Инсталляция представляет собой серию взаимосвязанных помещений, залитых монохромным светом красного, зеленого и синего цветов — основных составляющих аддитивной цветовой модели. В каждом из этих пространств зритель оказывается полностью погружен в определенный цвет, лишенный других визуальных ориентиров. Это воздействует на зрение на физиологическом уровне: глаза адаптируются к конкретному цвету, и при переходе в следующее помещение зритель испытывает эффект цветового «шока» или переадаптации, что усиливает восприятие каждого нового цвета и порождает неожиданные зрительные ощущения, такие как ореолы, послесвечения и визуальные вибрации.
Круз-Диес с этой работой ставит цвет не как свойство объекта, а как самостоятельное, подвижное и изменчивое явление, существующее в пространстве и времени. Он подчеркивает, что цвет — это не статическая характеристика поверхности, а перманентный процесс, происходящий в восприятии человека. Таким образом, «Chromosaturation» не просто вовлекает зрителя, а делает его активным участником и соавтором художественного опыта, поскольку именно зрение человека завершает работу.
На искусство эта инсталляция оказала значительное влияние, особенно в контексте иммерсивных и сенсорных практик. Она стала образцом для последующих художников, стремящихся исследовать границы восприятия и размыть различие между объектом искусства и зрителем. Кроме того, «Chromosaturation» внесла важный вклад в развитие site-specific инсталляций, где свет и архитектура сливаются в единое целое, создавая искусственную, но глубоко ощутимую реальность. В эпоху, когда цифровые технологии и медиаискусство активно осваивают зрительное поле, подход Круз-Диеса остается актуальным как напоминание о том, что даже простые элементы — свет и цвет — при точном научно-художественном подходе могут порождать мощные эстетические и философские переживания.
Карлос Круз-Диес. «Chromosaturation», 1965
Яёи Кусама. «Infinity Mirror Room — The Souls of Millions of Light Years Away», 2013
Инсталляция «Infinity Mirror Room — The Souls of Millions of Light Years Away» японской художницы Яёи Кусамы представляет собой зеркальное пространство, наполненное множеством мерцающих светодиодных огней, создающих иллюзию бесконечной вселенной. С помощью зеркал и света Кусама формирует иммерсивную среду, где зритель теряет ощущение границ и как бы сливается с бесконечным космосом, переживая медитативный и трансцендентный опыт. Работа отражает ключевые темы ее творчества — бесконечность, самоуничтожение и космическое сознание — и основана на личных переживаниях художницы, включая психические расстройства и галлюцинации, которые она превращает в уникальный визуальный язык, делая свет не только эстетическим, но и глубоким метафорическим элементом.
Роберт Ирвин. «Scrim Veil—Black Rectangle—Natural Light», 1977
Инсталляция Роберта Ирвина «Scrim Veil—Black Rectangle—Natural Light», впервые представленная в музее Уитни в 1977 году и воссозданная там же в 2013 году, представляет собой минималистское вмешательство в архитектурное пространство. Художник разделил галерею полупрозрачной тканью (scrim), подвешенной горизонтально на уровне глаз посетителя, а также добавил черную линию вдоль периметра стен и черный прямоугольник на одной из стен. Главным элементом инсталляции становится естественный свет, проникающий через большое окно галереи, который взаимодействует с этими минимальными элементами, создавая сложный визуальный и пространственный опыт.
Особенность работы Ирвина заключается в том, как она меняется в течение дня в зависимости от интенсивности и угла падения естественного света. Полупрозрачная ткань улавливает и рассеивает свет, создавая эффект расслоения пространства. Зритель, перемещаясь по галерее, становится участником сложной игры света, тени и пространственных отношений. В этой работе Ирвин демонстрирует свой подход к «реагирующему на пространство» искусству (site-responsive art), в котором произведение неотделимо от контекста его презентации. «Scrim Veil» показывает, как минимальное вмешательство в сочетании с внимательным отношением к естественному освещению может радикально трансформировать восприятие пространства, создавая глубокий феноменологический опыт.
Свет и время в аудиовизуальных произведениях
Энтони Маккол. «Line Describing a Cone», 1973
«Line Describing a Cone» Энтони Маккола — это знаковая работа в истории экспериментального кино и световых инсталляций. Произведение представляет собой кинопроекцию, в которой простая белая линия на черном фоне постепенно преобразуется в полный круг. Проектор помещается в затемненное пространство, наполненное легким туманом или дымом, благодаря чему луч света становится видимым, формируя в пространстве трехмерный конус. Таким образом, двухмерное кинематографическое изображение трансформируется в объемную световую скульптуру. Уникальность этого произведения заключается в том, как оно переосмысляет отношения между зрителем и кинематографическим образом. В традиционном кино зритель пассивно наблюдает за изображением на экране, здесь же он может свободно перемещаться вокруг световой проекции, рассматривать ее с разных ракурсов и даже физически взаимодействовать с ней, проходя сквозь световой конус. «Line Describing a Cone» также исследует темпоральность — постепенное развитие формы от линии к кругу, от точки к конусу подчеркивает процессуальный характер произведения и вводит фактор времени как ключевой элемент восприятия.
Специальная программа созданная для инсталяции. Рефик Анадол. «Melting Memories», 2018
Выставка «Melting Memories» турецко-американского художника Рефика Анадола представляет собой междисциплинарный проект, объединяющий искусство, нейронауку и технологии. Впервые представленный в 2018 году в Стамбуле, проект включает в себя «data paintings», «augmented data sculptures» и световые проекции, созданные на основе данных электроэнцефалографии (ЭЭГ), собранных в сотрудничестве с лабораторией Neuroscape Калифорнийского университета в Сан-Франциско.
Анадол преобразует невидимые процессы памяти в визуальные формы, используя алгоритмы машинного обучения для интерпретации ЭЭГ-данных. Результатом являются динамичные, абстрактные визуализации, напоминающие текучие, органические формы, которые постоянно изменяются в реальном времени. Эти проекции создают иммерсивное пространство, в котором зрители сталкиваются с визуализацией когнитивных процессов, обычно недоступных для прямого восприятия.
Проект исследует материальность памяти, превращая свет и данные в художественные материалы. Как отмечает сам художник, «наука формулирует значения; искусство их выражает». «Melting Memories» демонстрирует, как современные технологии расширяют возможности световых инсталляций, позволяя художникам работать с большими данными и алгоритмами для создания динамических, реагирующих на среду произведений.
Выставка получила признание в международном арт-сообществе и была удостоена золотой премии Lumen Prize в 2019 году. Она также была представлена в различных форматах, включая NFT-версию, что подчеркивает стремление Анадола к исследованию новых форматов представления искусства.
Свет как элемент иммерсивного опыта
Олафур Элиассон. «The Weather Project», 2003
«The Weather Project» датско-исландского художника Олафура Элиассона, представленный в Турбинном зале галереи Тейт Модерн в Лондоне, стал одной из самых посещаемых инсталляций в истории музея. В огромном промышленном пространстве Элиассон создал искусственное солнце — полукруг из сотен монохроматических ламп, испускающих желтый свет. Потолок зала был покрыт зеркалами, удваивающими высоту пространства и создающими иллюзию полного круга солнца. Воздух в зале был наполнен легким туманом, который делал лучи света видимыми и создавал эффект затуманенного горизонта.
Эта грандиозная инсталляция превратила музейное пространство в место коллективного опыта, сравнимого с природным явлением. Посетители лежали на полу, рассматривая себя в зеркалах на потолке, собирались в группы и взаимодействовали с пространством самыми разными способами. Элиассон использовал свет не только как визуальный элемент, но и как средство создания особой атмосферы, которая вызывала у зрителей сильные эмоциональные и телесные реакции. «The Weather Project» демонстрирует способность света формировать коллективный опыт и трансформировать восприятие архитектурного пространства. Инсталляция также поднимает вопросы о взаимоотношениях между природой и культурой, реальностью и искусственностью, индивидуальным и коллективным опытом.
Джеймс Таррелл. «Double Vision», 2013
«Double Vision» Джеймса Таррелла — это часть серии работ художника, основанных на эффекте Ганцфельда (от нем. «целое поле»), психофизическом феномене, возникающем при воздействии однородного визуального поля на восприятие. Инсталляция представляет собой пространство, полностью залитое равномерным цветным светом, который постепенно меняет свой цвет и интенсивность. Зритель, входя в это пространство, сталкивается с полным отсутствием визуальных ориентиров, что приводит к особому состоянию восприятия, в котором теряется чувство глубины и пространственной ориентации. В этой работе Таррелл исследует пределы человеческого восприятия и сознания. Лишенный привычных визуальных ориентиров, зритель начинает воспринимать свет как осязаемую материю, погружаясь в медитативное состояние, близкое к легкой форме сенсорной депривации. Постепенное изменение цвета и интенсивности света создает ощущение нахождения в живом, дышащем организме. «Double Vision» демонстрирует уникальную способность света воздействовать не только на зрение, но и на сознание в целом, вызывая состояния, близкие к трансцендентному опыту. Таррелл использует свет как инструмент для исследования границ между внешним и внутренним восприятием, физическим и психологическим опытом, что делает его работы важным вкладом в понимание света как философского и психологического феномена.
Свет как инструмент социально-политического высказывания
Кшиштоф Водичко. «Hiroshima Projection», 1999
«Hiroshima Projection» польского художника Кшиштофа Водичко представляет собой масштабную проекцию на Мемориал мира в Хиросиме (Атомный Купол), одно из немногих зданий, сохранившихся после ядерной бомбардировки 1945 года. Водичко проецировал на поверхность мемориала видеозаписи рук выживших после атомной бомбардировки и их потомков, сопровождаемые их воспоминаниями и размышлениями о трагедии. В этой работе свет проекции становится средством для артикуляции коллективной травмы и исторической памяти. Водичко использует технологию проекции не просто как техническое средство, но как способ вмешательства в общественное пространство и его переосмысления. Временный характер световой проекции становится метафорой хрупкости памяти и необходимости ее постоянного возобновления. «Hiroshima Projection» демонстрирует, как свет может быть мощным инструментом для социально-политического высказывания, способным трансформировать восприятие исторически значимых мест и стимулировать общественный диалог о травматических событиях прошлого.
Дженни Хольцер. «For the City», 2005
Проект Дженни Хольцер «For the City» представляет собой серию ночных световых проекций текстов — от стихов до рассекреченных правительственных документов — на фасады известных зданий Нью-Йорка, таких как Публичная библиотека и Рокфеллеровский центр, превращая городское пространство в платформу для осмысления политических и социальных вопросов. Используя свет как средство временной интервенции, Хольцер трансформирует архитектуру в носитель альтернативного дискурса, визуализируя потоки информации, обычно скрытые от публичного взгляда, и приглашая зрителей к критическому размышлению о власти, памяти и гражданской ответственности.
«Border Tuner» — это интерактивная световая инсталляция, созданная на границе между городами Эль-Пасо (США) и Сьюдад-Хуарес (Мексика). Инсталляция состоит из шести мощных лучей света, которые могут перемещаться и пересекать физическую границу между странами. Когда луч с одной стороны границы встречается с лучом с другой стороны, открывается аудиоканал, позволяющий людям на обеих сторонах общаться друг с другом. Световые мосты становятся каналами коммуникации, преодолевающими физические и политические барьеры. В этой работе Лозано-Хеммер использует свет как метафору связи и диалога в контексте напряженных пограничных отношений между США и Мексикой. Инсталляция временно преобразует милитаризованную пограничную зону в пространство для общения и обмена историями между людьми по обе стороны границы. Световые лучи визуализируют невидимые связи, существующие между разделенными сообществами, и подчеркивают абсурдность политических границ в контексте общей культурной и социальной истории региона. «Border Tuner» демонстрирует потенциал света как средства для создания временных структур, которые могут бросать вызов существующим политическим и географическим разделениям и способствовать диалогу и взаимопониманию.
Заключение
Во-первых, работа со светом позволяет художникам преодолеть ограничения традиционного объектного искусства. Во всех проектах, которые я анализировала, свет демонстрирует уникальную способность трансформировать пространство и восприятие зрителя. Свет как материал обладает парадоксальной природой — он одновременно материален и нематериален, видим, но неосязаем, что делает его идеальным медиумом для исследования границ между физическим и психологическим, реальным и виртуальным.
Во-вторых, свет обладает уникальной способностью активизировать зрителя, превращая его из пассивного наблюдателя в активного участника произведения. Работы Энтони Маккола, Яёи Кусамы, Рафаэля Лозано-Хеммера демонстрируют, как световые инсталляции создают новые формы интерактивности и вовлеченности, требующие не только визуального, но и телесного, пространственного опыта. Это соответствует общей тенденции современного искусства к созданию иммерсивных произведений, размывающих границу между искусством и жизнью.
В-третьих, свет в современном искусстве становится мощным инструментом для социально-политических высказываний. Работы Кшиштофа Водички, Дженни Хольцер, Рафаэля Лозано-Хеммера показывают, как световые проекции и инсталляции могут вмешиваться в общественное пространство, привлекать внимание к актуальным проблемам и стимулировать общественный диалог. Временный, эфемерный характер световых вмешательств позволяет художникам создавать критические высказывания, которые не были бы возможны в форме постоянных монументов или объектов.
Наконец, свет в сочетании с современными технологиями открывает новые возможности для художественного выражения. Работы Рефика Анадола и коллектива Teamlab демонстрируют, как цифровые технологии, алгоритмы и большие данные позволяют создавать динамические, реагирующие на среду световые композиции, которые постоянно эволюционируют и взаимодействуют со зрителем.
Таким образом, исследование подтверждает гипотезу о том, что свет в современном искусстве становится не просто визуальным элементом, но и способом моделирования восприятия, эмоционального воздействия и социальной рефлексии. Свет как медиум демонстрирует уникальную способность преодолевать границы между различными формами художественного выражения, между искусством и технологией, между эстетическим и социально-политическим высказыванием, создавая новые формы художественного опыта, которые резонируют с современными представлениями о реальности и человеческом восприятии.
Бишоп, К., Искусственные ады. Партиципаторное искусство и политика зрительства, V-A-C press, 2018.
Краусс, Р., Подлинность авангарда и другие модернистские мифы, Художественный журнал, 2003. URL: https://annasuvorova.wordpress.com/wp-content/uploads/2013/12/d180d0bed0b7d0b0d0bbd0b8d0bdd0b4d0b0-d0bad180d0b0d183d181d181_d0bfd0bed0b4d0bbd0b8d0bdd0bdd0bed181d182d18c-d0b0d0b2d0b0d0bdd0b3d0b0.pdf (дата обращения: 19.05.2025).
Alberro, A., Conceptual Art: A Critical Anthology, MIT Press, 1999. URL: https://arteducation.sfu-kras.ru/files/documents/conceptual-art-edited-by-alexander-alberro-and-blake-simson1.pdf (дата обращения: 19.05.2025).
Paul, C., Renderings of Digital Art [Электронный ресурс] // Scribd. — URL: https://ru.scribd.com/document/366373503/CHRISTIANE-PAUL-Renderings-of-Digital-Art (дата обращения: 19.05.2025).
Adcock, C., James Turrell: The Art of Light and Space, University of California Press, 1990.
Дэн Флавин. «Монумент для В. Татлина», 1966-1969 — https://www.tate.org.uk/art/artworks/flavin-monument-for-v-tatlin-t01323 (дата обращения 17.05.2025)
Дэн Флавин. «Монумент для В. Татлина», 1969-1970 — https://www.tate.org.uk/art/artworks/flavin-monument-for-v-tatlin-al00351 (дата обращения 17.05.2025)
Дэн Флавин. «Untitled (to Donna) II», 1971 — https://portlandartmuseum.org/the-poster-project/untitled-to-donna-ii/ (дата обращения 17.05.2025)
Карлос Круз-Диес. «Chromosaturation», 1965- https://cruz-diez.com/works/chromosaturation/ (дата обращения 08.05.2025)
Карлос Круз-Диес. «Chromosaturation», 1965- https://www.pamm.org/en/guide/chromosaturation/#VisualDescriptionChromosaturation (дата обращения 08.05.2025)
Яёи Кусама. «Infinity Mirror Room — The Souls of Millions of Light Years Away», 2013 — https://hirshhorn.si.edu/kusama/infinity-rooms/#souls (дата обращения 19.05.2025)
Роберт Ирвин. «Scrim Veil—Black Rectangle—Natural Light», 1977 — https://whitney.org/exhibitions/robert-irwin (дата обращения 08.05.2025)
Энтони Маккол. «Line Describing a Cone», 1973 — https://www.tate.org.uk/art/artworks/mccall-line-describing-a-cone-t12031 (дата обращения 08.05.2025)
Рефик Анадол. «Melting Memories», 2018 — https://refikanadol.com/works/melting-memories/ (дата обращения 17.05.2025)
Олафур Элиассон. «The Weather Project», 2003 — https://olafureliasson.net/artwork/the-weather-project-2003/ (дата обращения 19.05.2025)
Джеймс Таррелл. «Double Vision», 2013 — https://www.wikiart.org/ru/dzheyms-tarrell/couble-vision-2013 (дата обращения 08.05.2025)
Джеймс Таррелл. работы — https://www.wikiart.org/ru/dzheyms-tarrell (дата обращения 08.05.2025)
Кшиштоф Водичко. «Hiroshima Projection», 1999 — https://culture.pl/ru/gallery/kshishtof-vodichko-proekcii-v-obshchestvennom-prostranstve-galereya (дата обращения 19.05.2025)
Дженни Хольцер. «For the City», 2005 — https://creativetime.org/projects/for-the-city/ (дата обращения 15.05.2025)
Рафаэль Лозано-Хеммер. «Border Tuner», 2019 — https://www.lozano-hemmer.com/border_tuner__sintonizador_fronterizo.php (дата обращения 15.05.2025)
Фотография Хиросимы — https://whc.unesco.org/en/list/775/gallery/ (дата обращения 19.05.2025)
