Переход от неоклассицизма к модернизму в итальянской скульптуре

Концепция Неоклассицизм в XIX веке Переходный этап Становление модернизма (1910–1930 гг.) Заключение

Так утверждал Самуил Иванович Гальберг, русский скульптор, который совершенствовал свое мастерство в Италии в XlX веке. [1] Многие эксперты в сфере искусства были согласны с ним. Они своими глазами наблюдали, как итальянская скульптура достигала своего идеала: к середине века мастера научились наиболее реалистично прорабатывать мельчайшие венки, создавать тончайшую мраморную вуаль, пропускающую свет, [2] и добились эффекта мягкости плоти, убирая холодный блеск камня. [3] Казалось, итальянская скульптура находится на пике совершенства. Однако именно в XIX веке назрел кризис, и все больше экспертов стали задумываться об отходе от устоявшихся канонов. К примеру, Эжен Делакруа, живописец и теоретик в области искусства, писал [4]:

Постепенно, в течение полвека, античные каноны были переосмыслены, и в начале XX века мир увидел произведения модернизма. [5]

Как происходил переход от неоклассицизма к модернизму? Как меняется изображение человеческого тела в итальянской скульптуре с XlX по XX век? Модернизм является упадком или удачным переосмыслением устоявшихся канонов? Эти вопросы легли в основу моего визуального исследования.

Во время выбора темы мое внимание привлекли итальянский статуи. Меня поразила разница в подходах мастеров XIX и XX веков, поэтому я решила изучить данный вопрос. В ходе исследования я поняла, что между неоклассицизмом и модернизмом существовало множество направлений, таких как веризм, натурализм и реализм. [5] Однако я предпочла не рассматривать каждое из них по отдельности, сосредоточившись только на тех скульпторах, которые оказали наибольшее влияние на становление модернизма. Стоит отметить, что модернизм состоит из множества течений, таких как футуризм, метафизическое искусство и новеченто. [5] Однако они заслуживают отдельного визуального исследования, поэтому в рамках данной работы мы не будем их рассматривать по отдельности.

Временные рамки визуального исследования я выбрала от начало XIX века до 1930-x годов. Именно в XIX веке итальянский неоклассицизм достиг своего пика и одновременно столкнулся с кризисом, поэтому анализ я начинаю именно с этого века. [6] Модернизм я рассматриваю до 1930-x годов, поскольку мне важно продемонстрировать именно переходный этап и процесс становления нового направления, а не все стадии его дальнейшего развития. [5] Принцип публикации основан на хронологии. В разделе, посвященном неоклассицизму, основные черты направления разбираются на примере одной статуи. Остальные произведение искусства рассматриваются обзорно, так как каноны того времени позволяют выявить ключевые особенности одном примере. В следующих разделах наиболее значимые произведения рассматриваются отдельно. Поскольку скульпторы отказались от устоявшихся канонов, каждый из них воплощает свою идею через уникальные методы.

Для анализа материала для визуального исследования я выбрала достоверные интернет источники и книги, написанные историками искусства. Для визуального ряда выбраны фотографии высокого качества, отображающие особенности итальянской скульптуры, которые поясняются в тексте исследования, а также авторские фотографии.

Итальянский неоклассицизм в скульптуре появился в XVIII веке, однако своего расцвета достиг в XIX веке. [6] Чтобы проследить зарождение и развитие модернизма, необходимо обратиться к неоклассицизму, поскольку зарождение модернизма было продиктовано стремлением преодолеть консерватизм неоклассицизма. Рассмотрим ключевые особенности неоклассицизма на примере статуи «Персей с головой медузы», которая была создана выдающимся мастером того времени Антонио Кановой. [7]

Неоклассицизм опирается на античное наследие, черпая вдохновение в искусстве древней Греции и древнего Рима. Антонио Канова считал античность образцом эталонной красоты и гармонии, поэтому, по мнению экспертов, он вдохновлялся статуей «Аполлон Бельведерский». [6]

Представители неоклассицизма отдавали предпочтение мифологическим, историческим, аллегорическим сюжетам, изображение бытовых сцен и действительности считалось недопустимым. В своей работе Антонио Канова обращается к мифологическому герою древней Греции, Персею, который победоносно держит голову поверженной Медузы.

Основой стиля являются ясность композиции и воплощение универсальных законов гармонии. Скульптор использует классический прием хиазма, при котором вес тела героя переносится на одну ногу, в то время как другая остается расслабленной, что создает скрытую динамику в статичном образе. [8]

Мастера неоклассицизма стремились к идеализации форм, избегая изображения природных изъянов человека. [9] Канова продолжает следовать канонам. Несмотря на развитую мускулатуру Персея, рельеф тела сглажен, а мышцы не выглядят напряженными. У Персея не видны естественные составляющие человеческого тела, такие как вены и сухожилия. Кожа выглядит безупречно ровной, а складки обозначены лишь в местах естественных сгибов. Даже в изображении отрубленной головы Медузы скульптор избегает натурализма.

Для неоклассицизма характерна сдержанность и спокойствие. [6] Скульптор передает внутреннее состояние героя без излишней эмоциональности: лицо Персея абсолютно неподвижно, а голова Медузы слегка искажена от страданий.

Деятельность представителей неоклассицизма и, в особенности, искусства главного итальянского скульптора той эпохи, Антонио Кановы, находила поддержку у современников. Например, итальянский историк искусства, Пьетро Джордани, так характеризовал мастерство Кановы:

Примечательно, что на более поздних этапах развития неоклассицизма в скульптурах начинают проявляться живые эмоции и передача анатомических особенностей человека, например, слегка выраженные вены. В отличие от эпохи барокко, где детализация создавала динамичность, в неоклассицизме она направлена на достижение абсолютной красоты. [11]

К середине XIX века техника «мраморной вуали» была доведена до виртуозного исполнения. Несмотря на то что она зародилась в XVIII веке, именно в XIX веке она получила наибольшее распространение. Складки стали ещё более тонкими благодаря использованию новых стальных резцов, а поверхность мрамора обрабатывалась до зеркального блеска, приобретая прозрачность фарфора. Из церковных интерьеров эта техника перешла в светские салоны, став главной особенностью выставок. [2]

Еще одной важной техникой, характерной для этого направления в XIX веке, является «Ultima mano» или «Последнее касание». Скульпторы не просто полировали камень, а добивались эффекта мягкости плоти. Например, Канова использовал специальные химические составы и воск, чтобы нейтрализовать холодный блеск мрамора. Это подчеркивает специфику неоклассицизма: фактура материала важнее, чем его рельеф. [3]

В XIX веке скульпторы стали задумываться о том, что настоящее искусство должно черпать вдохновение не в античности, а в живой природе. [11]. О необходимости таких перемен говорил известный скульптор Лоренцо Бартолини перед студентами Каррарской академии:

Рассмотрим несколько скульптур переходного этапа, чтобы понять, какие художественные приемы использовали мастера, вдохновляясь природой.

«Вера в Бога», Лоренцо Бартолини, 1835 год.

Это произведение относится к пуризму и знаменует переход к натурализму. В качестве героя была выбрана обычная молящаяся девушка, а не идеализированный образ, что, конечно, недопустимо для неоклассицизма. Благодаря высокому качеству исполнения в сочетании с этической и религиозной значимостью сюжета, статуя получила высокую оценку экспертов и заказчицы. Работа была на выставке во Флоренции и Парме, а в 1837 году была представлена в Академии изящных искусств Брера в Милане. [13]

«Умирающий Наполеон», Винченцо Вела, 1866 год.

Это произведение относится к веризму. Император показан не как триумфатор, а как старый, больной, угасающий человек. Статуя имела грандиозный успех на Всемирной выставке в Париже в 1867 году. Критики отмечали жестокую правдивость и психологизм, что сделало Велу одним из самых влиятельных скульпторов своего времени. Статуя была настолько убедительной и выразительной, что сам император Наполеон III приобрел ее. [14]

«Вот мальчик», Медаро Россо, 1906 год.

Скульптуру Медаро Россо относят к протомодернизму. Мастер стремился запечатлеть эфемерное впечатление от ребенка, выглядывающего из-за занавески. Свет и пространство становятся частью статуи, границы объекта размываются, из-за чего работа напоминает незаконченное произведение. Несмотря на то, что заказчики отказались от работы, эта статуя Россо и его последующие произведения искусства впечатлили прогрессивных критиков и оказали значительное влияние на будущих модернистов. [15]

Многие критики в сфере искусства выступали против подобных изменений, несмотря на то, что эти преобразования не носили радикального характера. Искусствоведы воспринимали отказ от идеалов неоклассицизма как упадок мастерства. К примеру, так считал историк искусств, Пьетро Сельватико:

Несмотря на это, отказ от привычных канонов позволил скульпторам создавать эмоциональные произведения нестандартной формы, открыв пространство для новых поисков.

Вопреки критике со стороны приверженцев неоклассицизма, в начале XX века стало формироваться полноценное направление в противовес устаревшим канонам. Несмотря на то что работы модернистов были крайне разнообразны, и каждый скульптор работал в своей уникальной технике, у модернизма как направления выделились общие черты. Скульпторы начали использовать различные технические приемы, искажение частей тела и упрощение форм, чтобы передать динамику, внутреннее состояние героя или соприкосновение человека с реальным миром. [17]

Рассмотрим несколько скульптур, чтобы понять, какие художественные приемы использовали мастера модернизма.

«Танцовщица с виноградными гроздьями», Либеро Андреотти, 1912 год.

Скульптор намеренно оставлял на поверхности статуи отпечатки пальцев и следы инструментов. В противовес классической традиции, последователи которые стремились имитировать идеальную кожу, Андреотти намеренно демонстрировал материальность объекта и оставлял следы, возникающие во время процесса создания. [18]

«Уникальные формы непрерывности в пространстве», Умберто Боччони, 1913 год.

Скульптор деформирует и уничтожает границы человеческого тела, чтобы передать взаимодействие героя со световоздушной средой, динамику и скорость. Герой лишается человеческой индивидуальности из-за разрушения лица. [19]

Эта скульптура стала знаковым произведением модернизма. Искусство Умберто Боччони и его манифесты и оказали большое влияние на представителей нового направления в скульптуре. Боччони заложил основы нового художественного мышления, призывая полностью отказаться от устоявшихся канонов:

Переход к модернизму многие скульпторы и критики восприняли крайне болезненно. Они продолжали отстаивать идеалы неоклассицизма:

После 1918 года подход многих скульпторов в создании произведений искусства изменился. Основная причина — Первая Мировая война. Потрясенные происходящими событиями, скульпторы тяготели к менее деформированному изображению человека, ведь уничтожение и нестабильность они наблюдали в реальности. Этот период в истории искусства был назван «возвращение к порядку» (фр. retour à l’ordre) [5]. Однако, модернисты не обратились к неоклассицизму, а стремились соединить упрощение форм с классическими традициями изображения человека.

«Святая Лючия», Адольфо Вильдт, 1926 год.

В этой статуе сохраняется экспрессия модернизма, но нет той фрагментарности и абстрактности, которая получила особое распространение до Первой мировой войны.

Адольфо Вильдт намеренно деформирует глазницы скульптуры, чтобы передать боль и духовный экстаз. Отсутствие глаз и зрачков усиливает ощущение зацикленности героини на своем состоянии. [22]

«Пизанская женщина», Артуро Мартини, 1928 год.

Скульптор отказывается от принятых канонов красоты, вдохновившись этрусской пластикой, что можно заметить по архаичным, слабо проработанным, местами слишком угловатым чертам лица. [23]

Становление модернизма в итальянской скульптуре — важный этап в развитии европейского искусства. Именно в этот период мастера стали работать над способами выражения экспрессии и эмоций. Тем не менее, нельзя утверждать, что неоклассические статуи не заслуживают внимания, ведь они впечатляют виртуозным техническим исполнением.

И у модернизма, и у неоклассицизма есть свои особенности и достоинства, ведь эти направления демонстрируют различные способы выражения идей, которые были характерны для их времени.