Как анимация стала частью музыкальных клипов

1. Концепция
2. Какой была музыка и анимация до появления понятия музыкального клипа
3. Промо-видео музыкантов
4. MTV и превращение клипа в визуальное искусство
5. Андеграундная анимация 1990-х
6. Расцвет авторской эстетики в клипах
7. Как группа из «нарисованных людей» стала влиять на музыку больше, чем реальные музыканты
8. Заключение
9. Библиография
10. Источники изображений

Музыкальные клипы давно перестали быть просто рекламным инструментом для продвижения треков. Они превратились в уникальное искусство.

Истоки уходят еще в эпоху раннего звукого кино, когда серия короткометражек «Silly Symphonies» Уолта Диснея впервые показала как работает точная покадровая синхронизация музыкального ритма и рисунка. Позже, на рубеже шестидесятых и семидесятых годов, появились первые прототипы современных клипов. Это были простейшие анимационные ролики для телевизионных эфиров популярных групп. Настоящий же прорыв произошел в 1981 году с запуском телеканала MTV. В условиях жесткой конкуренции музыканты и продюсеры искали самые эффектные визуальные решения.

В девяностых использование анимации стало более концептуальным. В традиционных мультфильмах музыка лишь подчеркивала развитие сюжета, а в музыкальном клипе анимация стала подчиняться настроению и ритмической структуре песни. Исполнители осознали, что рисованный мир полностью освобождает их от рамок физической реальности, погоды или огромных трат на декорации. Музыканты разных жанров обращались к графике, чтобы передать глубокий символизм, внутреннюю тревогу или протест. На экранах начали смешиваться самые разные подходы, начиная от классической диснеевской школы и экспрессивной рисованной анимации до кукольного или пластилинового стоп-моушена.

До появления MTV и привычного музыкального клипа связь музыки и изображения уже активно развивалась в экспериментальном кино и анимации. Еще в 1920–1930-е годы художники и режиссеры пытались найти способ увидеть музыку через форму, цвет и движение. Эти эксперименты позже повлияли на развитие музыкальных клипов. В то время музыка не сопровождала певца или группы, а сама становилась главным объектом визуального исследования. Художники стремились создать гармонию между звуком и изображением, превращали кино в особый визуально-музыкальный ряд.

Одним из главных пионеров визуальной музыки считается Оскар Фишингер. Его творчество стало примером того, как абстрактная анимация может передавать музыкальные ритмы и эмоции без использования сюжета или персонажей.Он переводил звук в цвет, движение и геометрические формы. Особенно ярко эта идея проявилась в фильме An Optical Poem. Эта работа была создана под музыку Ференца Листа «Венгерская рапсодия № 2». На экране зритель видит движение кругов, линий и фигур, которые танцуют в ритме музыки. Интересно, что для создания фильма Фишингер использовал очень простые материалы, цветную бумагу, проволоку и покадровую съемку.

Продолжателем идей Фишингера стал канадский режиссер Норман Макларен. В своей работе «Begone Dull Care» он довел синхронизацию изображения и звука до очень высокого уровня. Фильм был создан под джазовую музыку трио Oscar Peterson Trio и представляет собой поток линий, пятен, царапин и цветовых вспышек, движущихся в ритме музыки. Экран здесь напоминает живую картину, постоянно меняющуюся под звуки джаза. В фильме можно заметить, как разные инструменты получают собственные формы. Бас сопровождается красными акцентами, а фортепианные партии превращаются в вспышки.

Серия мультфильмов «Глупые симфонии» стала одним из самых важных этапов в истории мировой анимации и во многом повлияла на то, как музыка начала взаимодействовать с изображением. «Silly Symphonies», созданные студией Walt Disney Productions изначально задумывались как музыкальные короткометражные фильмы, в которых сюжет строился вокруг ритма, мелодии и движения.

Первым фильмом серии стал «The Skeleton Dance». Этот короткометражный мультфильм считается революционным для своего времени. В нём использовались произведения Сен-Санса и Эдварда Грига, переработанные Карлом Столлингом специально под анимацию. История была простой. Ночью на кладбище оживают скелеты и начинают танцевать. Но главным здесь был не сюжет, а то, как движение полностью совпадало с музыкой. Каждое действие персонажей соответствовало музыкальному ритму. Именно этот принцип позже получил название Mickey Mousing, техника абсолютной синхронизации движения и звука.

Главным примером соединения музыки и анимации стал фильм Yellow Submarine, вышедший в 1968 году. Его можно спокойно разделить на песни и получить независимые анимационные клипы. Режиссёром картины стал George Dunning. Вместо реалистичных персонажей зрители увидели яркие плоские фигуры с преувеличенными пропорциями, длинными ногами, большими руками и карикатурными чертами лица. Такой стиль был связан с популярными в то время направлениями поп-арта. Фильм ориентировался на взрослую аудиторию, особенно на молодежь и представителей культуры хиппи. Улицы и здания создавались на основе обработанных фотографий, а движение людей делалось при помощи зацикленных кадров с реальными актёрами. Благодаря этому фильм выглядел очень необычно и даже сюрреалистично.

Одним из самых известных эпизодов фильма стала сцена с песней «Lucy in the Sky with Diamonds». Именно здесь особенно ярко проявились эксперименты с анимацией. Создатели использовали технику ротоскопирования, метода при котором движения реальных людей перерисовываются в анимационный формат.

Pink Floyd всегда считались очень визуальной группой. Еще до эпохи музыкальных телеканалов группа использовала анимацию и специальные видеоэффекты во время своих концертов. Одной из самых известных работ стало анимационное видео к песне «Welcome to the Machine», выпущенной в 1975 году. Изначально анимация была создана как фоновое видео для концертного тура, но позже стала полноценным музыкальным клипом.

Сюжет клипа выглядит очень мрачно и даже пугающе. Видео начинается с движения странного механического существа. Затем зритель видит пустой индустриальный город, огромные металлические конструкции и жуткие сцены. Скарф рисовал тысячи кадров, используя традиционную целлулоидную анимацию. Художник уделял большое внимание деталям, поэтому движения и превращения в клипе выглядят плавными и почти гипнотическими. Для своего времени такая работа считалась невероятно сложной и дорогой.

Клип Элвиса Костелло и группы The Attractions на песню «Accidents Will Happen» 1979 года считается одним из первых полностью анимационных клипов на MTV. Режиссеры Аннабель Янкель и Рокки Мортон применили анимацию вынужденно, так как музыканты не смогли приехать на живые съемки. В качестве основы авторы взяли 35-миллиметровые фотографии и кадры группы, переработав их с помощью техники ротоскопирования.

Одним из самых ярких примеров соединения музыки и анимации стал клип на песню Take on Me группы a-ha. Видео, снятое режиссером Стивом Барроном в 1985 году, стало настоящей революцией для MTV и мировой поп-культуры. Клип сочетал игровое кино и карандашную анимацию, выполненную в технике ротоскопирования. Для создания видео аниматоры обработали около 3000 кадров, а работа заняла примерно 16 недель. Благодаря необычному сочетанию реальности и рисунка клип создавал ощущение перехода между двумя мирам, настоящим и вымышленным. История о девушке, попадающей в нарисованный мир, оказалась очень необычной для своего времени и сразу привлекла внимание зрителей MTV.

Главными героями клипа стали два работника магазина бытовой техники, которые таскают холодильники и микроволновки и обсуждают то, что видят по телевизору. Один из них критикует музыкантов, а другой восхищается MTV и повторяет фразу «I want my MTV». Так появилась ироничная концепция, персонажи, которых породило телевидение, сами жалуются на MTV и музыкантов, которые легко зарабатывают деньги.

На тот момент 3D-анимация только начинала развиваться, поэтому работа была очень сложной. У создателей было всего шесть недель, чтобы закончить проект. Персонажи двигались довольно скованно, а сама графика выглядела примитивно даже по меркам того времени. Но на MTV ещё не было ничего похожего, зрители увидели объёмных компьютерных персонажей, которые взаимодействовали с живым видео группы.

Клип Sledgehammer на песню Peter Gabriel, выпущенный в 1986 году, режиссера Стивена Р. Джонсона и студии Aardman Animations совмещает покадровоую анимацию, пластилин, пикселяцию и техники замены объектов вместо популярных в 80-е годы цифровых эффектов. Благодаря этому видео выглядело необычно. Лицо Гэбриэла превращалось в поверхность для движущихся фруктов, танцующих куриц, игрушечных поездов и цветов, которые буквально двигались в ритме музыки. Анимация становилась частью клипа и помогала передавать настроение композиции через странные образы.

Примерно в это время андеграундные музыканты начали массово экспериментировать с мультипликацией. В начале 1990-х интернет ещё не был повсеместным даже в передовых США, поэтому большинство самых странных и нездоровых анимированных клипов после окончательного монтажа отправлялись прямиком на телевидение. Это неожиданно сослужило хорошую службу альтернативному металу и гранжу. Зрители, переключая каналы, натыкались на эти визуальные эксперименты, и мультипликация становилась способом выделиться.

Американские альтернативщики Tool прославились на весь мир своими анимированными, наводящими ужас видеороликами, больше похожими на ночные кошмары. Их художником и режиссером стал гитарист группы, Адам Джонс. Клип на композицию «Sober» выпущенный в 1993 году, был создан режиссером Фредом Штуром, но именно Джонс разработал жутких глиняных персонажей и стоял за техникой покадровой съемки.

Сюжетная завязка видео тревожна. Маленькое гуманоидное существо обитает в заброшенном ржавом особняке. Случайно оно натыкается на деревянный ящик и открывает его. Содержимое коробки скрыто на протяжении большей части ролика, однако очевидно, что находка оказывает разрушительное воздействие на разум персонажа. В конце ящик оказывается пуст, и зрителю предстоит самому определить значение увиденного.

В центре сюжета большое черное садистское существо, которое калечит и издевается над безногой белой куклой-роботом, запертой вместе с другими фигурами в цементном ящике. Мраморная кукла в какой-то момент видит летающую вокруг осу, ловит ее в банку и осознает, что теперь она тоже способна проявлять жестокость.

В начале 1990-х годов группа Green Jellÿ выпустила музыкальный видеоклип, выполненный в технике пластилиновой анимации. В основе сюжета лежит переработанная детская сказка, однако она представлена в пародийной форме, где персонажи превращаются в карикатурные образы, что соответствовало стилю группы и их комедийному подходу к музыке. В мультипликационном пересказе мы видим стильного пластилинового волка Он изо всех сил пытается добраться до трех поросят, но классическая история здесь наполнена недетскими современными отсылками. Сами музыканты Green Jellÿ тоже не остались в стороне и органично вписались в этот выдуманный мир, появляясь в видео в качестве забавных камео.

В 1997 году британская рок-группа Radiohead выпустила шестиминутную песню «Paranoid Android», которая стала настоящим хитом, заняла высокие места в чартах и часто сравнивалась критиками с масштабными композициями The Beatles и Queen. Многим казалось, что клип на такую сложную композицию должен быть максимально мрачным и депрессивным. Однако музыканты решили пойти другим путем. Для воплощения этой идеи группа поручила создание клипа известному шведскому режиссеру-аниматору Магнусу Карлссону. Группа специально не стала отправлять ему текст, чтобы видео не получилось слишком буквальным и предсказуемым. В итоге вся концепция клипа строилась исключительно на самом звучании музыки.

Анимация была выполнена в упрощенном стиле, где выделялись яркие цвета и четкие линии. По сюжету друзья отправляются в путешествие, где встречают странных чиновников, агрессивных посетителей пабов, русалок, невменяемых бизнесменов. Руководство телеканала заставило дорисовать русалкам купальники, чтобы скрыть их обнаженное тело. Это жутко возмутило музыкантов, басист Колин Гринвуд искренне удивлялся тому, что герой, отрубающий себе руки и ноги в кадре, никого не смутил, а нарисованная грудь оказалась под строгим запретом.

В 1999 году вышел клип Moby на песню «Why Does My Heart Feel So Bad?». Анимационный клип лишний раз напоминает зрителям о том, что о самых серьёзных проблемах и вечных чувствах можно говорить предельно простыми словами и образами. По своему настроению эта работа очень похожа на осовремененную версию сказки «Маленький принц». Главным действующим лицом этого видео стал нарисованный персонаж по имени Little Idiot. По словам музыканта, это простая и скромная карикатура на самого себя, которую он видел в образе маленькой букашки. Анимация здесь помогла закрепить за исполнителем стереотип отчаянного, грустного и непонятого лирика, из-за чего прослушивание его ранних треков, техно-альбомов из агрессивного андеграунда до сих пор вызывает у многих зрителей настоящий разрыв шаблона.

В начале 2000-х режиссёр Мишель Гондри взялся за клип для песни The White Stripes «Fell in Love with a Girl». Он выбрал трудоёмкий метод. Вместо того чтобы просто нарисовать всё на компьютере, Гондри решил снять настоящую покадровую анимацию из кубиков LEGO, буквально превратив конструктор в художественный материал. Этот метод, известный как «брикфильм», требовал колоссального терпения. Каждый кадр собирался вручную, чтобы создать иллюзию плавного движения. Для достижения нужного эффекта Гондри сначала снимал живых актеров, превращал видео в крупные квадратные пиксели, а затем кропотливо воссоздавал полученные изображения из пластиковых кирпичиков.

В случае виртуальных музыкальных проектов, таких как Gorillaz, визуальная часть не дополняет звук, а фактически заменяет исполнителя, создавая новую форму существования музыкальной группы. Проект Gorillaz показывает, как аватары могут скрывать реальных авторов и при этом становиться более узнаваемыми, чем они. Участники группы представлены как анимационные персонажи с собственными характерами и биографиями, и зритель воспринимает их, как самостоятельных личностей. При этом музыка, созданная известным музыкантом Деймоном Албарном, становится как бы голосом этих персонажей, а не традиционной группой с фронтменом.

Анимационные персонажи получают индивидуальность через детали. Например герой с синими волосами и опущенной челкой выглядит одновременно уязвимым и отстранённым, что подчеркивает характер его образа. Каждый участник группы имеет собственные черты, которые помогают зрителю считывать эмоции без реального актёра. Интерактивные форматы анимационных клипов, включая 360-градусные видео и цифровые сцены, расширяют границы восприятия музыки, зритель перестает быть просто наблюдателем и становится участником пространства, где может по новому воспринимать композицию.

Анимация в музыкальных клипах прошла огромный путь от первых экспериментальных приемов до самостоятельного визуального языка. Анимация стала частью музыкальной индустрии благодаря своей абсолютной творческой свободе. Сегодня анимационные клипы воспринимаются как естественная и полноценная составляющая музыкальной сферы, однако их развитие происходило постепенно. Из феномена «Yellow Submarine» анимация пробилась к массовому зрителю в эпоху расцвета MTV и сегодня переживает совсем новые интересные взгляды.

Режиссеры адаптируют анимацию под разные музыкальные жанры. Анимационные клипы развиваются и их дальнейшее взаимодействие показывает, что графика и музыка некогда создали впечатляющий и вдохновляющий союз, анимация стала частью музыкальной индустрии.