Инерпретации картин Рене Магритта

1. Вступление
2. «Влюбленные»
3. «Фальшивое зеркало»
4. «Вероломство образов»
5. «Голконда»
6. «Сын человеческий»

Рене Магритт по праву считается одним из самых глубоких и интеллектуальных представителей сюрреализма, чье творчество кардинально отличалось от поисков его современников. В то время как другие художники этого направления, подобно Сальвадору Дали, погружались в иррациональный хаос сновидений и подсознательных галлюцинаций, Магритт создавал так называемый «магический реализм», в котором обыденные предметы, изображенные с почти фотографической точностью, вступали в парадоксальные и тревожные отношения.

Его творческий метод основывался на исследовании разрыва между реальным объектом, его визуальным образом и словесным обозначением. Магритт разработал уникальный визуальный язык, наполненный повторяющимися символами. Наиболее распространенная линия интерпретации работ Магритта связана с психоанализом и личной трагедией его детства — самоубийством матери, чье тело было найдено в реке с лицом, обмотанным ночной рубашкой.

В то же время философская критика, представленная, в частности, Мишелем Фуко, рассматривала Магритта не как художника-психолога, а как мыслителя, работающего с семиотикой и кризисом репрезентации. С этой точки зрения, его картины интерпретировались как визуальные ребусы, разоблачающие обманчивую природу языка и зрения, доказывая, что наше восприятие мира всегда опосредовано знаками, которые не тождественны реальности.

Экзистенциальные интерпретации, в свою очередь, фокусировались на конфликте между видимым и скрытым, утверждая, что Магритт мастерски передает чувство абсурда человеческого существования, где за привычной социальной маской всегда скрывается непостижимая тайна. Однако сам Рене Магритт относился к любым попыткам истолковать его искусство с нескрываемым скепсисом и даже враждебностью. Он настойчиво утверждал, что его картины ничего не скрывают и не являются символами чего-то иного, кроме самих себя.

Для художника смысл интерпретации заключался в попытке свести пугающую и прекрасную тайну бытия к понятному и логичному объяснению, что он считал глубочайшим заблуждением. Магритт настаивал на том, что его работы должны вызывать чувство изумления перед непознаваемостью мира, а не становиться объектом интеллектуального анализа. Таким образом, история интерпретации творчества Магритта — это история вечного диалога между критиками, стремящимися разгадать его визуальные загадки, и самим автором, который сознательно оставлял свои «ребусы» нерешенными, полагая, что истинная суть вещей всегда остается невидимой для глаз и недоступной для окончательного определения.

Картина «Влюбленные» (или «Любовники»), так же, как и большинство других работ Магритта, воспринимается как своеобразный ребус, требующий разгадки. Она породила огромное количество интерпретаций, каждая из которых имеет право на жизнь…

В своей картине «Влюбленные» Рене Магритт изображает пару в страстных объятиях, целующуюся сквозь белые простыни, закрывающие их лица. На этот кинематографический стиль, несомненно, повлияла любовь художника к кино. В частности, фильмов о Фантомасе 1913–1914 годов, снятых Луи Фейадом. Вероятно, это увлечение во многом повлияло на творчество художника и пробудило в нем любовь к «играм в прятки»…

Магритт часто использует в своих работах различные метафорические образы и символы. Самым интригующим элементом этой работы являются белые простыни, закрывающие лица героев. Многие искусствоведы проводят параллели с трагической историей детства художника. И если театр начинается с вешалки, то повторяющиеся мотивы в творчестве зачастую берут начало в детских травмах.

Мать Магритта, Регина, большую часть своей жизни страдала от глубокой депрессии и несколько раз пыталась покончить с собой. Обеспокоенный состоянием жены, отец художника, Леопольд, решает запереть жену в ее спальне, во избежание новых попыток суицида, но роковой день все же настал.

Когда будущему художнику было 14 лет, его матери удалось сбежать из «заточения». Регину искали несколько дней, но найти удалось лишь её бездыханное тело в реке Самбре. Когда ее тело вынесло на берег, ее голова была обернута подолом ночной сорочки. Художник избегал разговоров на эту тему даже с собственной женой и утверждал, что критики переоценивают влияние этого факта на его творчество, но повторяющийся мотив головы, обмотанной тканью, заставляет судить об обратном.

Согласно самой распространенной версии, художник решил изобразить на картине олицетворение расхожей фразы «любовь слепа». Герои являются загадкой и для окружающих, и друг для друга, к тому же, они так поглощены страстью, что не видят и не слышат ничего вокруг. Магритт пытается намекнуть на то, что любовь слепа, что двум людям необязательно физически видеть друг друга, любить друг друга.

Магритт не только закрыл глаза влюбленным — он обмотал тканью их головы, что заставляет вспомнить еще одну метафору — «потерять голову от любви». Это порождает новые ассоциации: любовь не просто слепа, она лишает человека способности трезво мыслить.

Влюбленные не только не замечают окружающий мир, но и не видят друг друга. Они полностью поглощены именно страстью, а не друг другом, поэтому лишены способности видеть и слышать что-то. Немногим известно о том, что «Влюбленные» являются частью серии из четырех картин, каждая из которых создавалась в течение одного года.

Три картины имеют одинаковое название, за каждой из которых следует римская цифра, чтобы их можно было различить. Как и в первой части серии, во «Влюбленных II» изображена пара, лица которой покрыты белой простыней. На этот раз они не целуются, а просто стоят рядом.

«Влюбленные III» вновь иллюстрируют эту пару, но на этот раз художник показывает нам лица героев. Мужчина, изображенный рядом с молодой женщиной, кажется, не имеет тела, его голова парит над плечом возлюбленной, что создает ощущение тревожности.

Наконец, в последней части серии изображена еще одна пара. На этот раз молодая женщина сидит на камне, скрестив руки, заключенная в страстных объятиях с мужчиной, у которого снова нет тела — только парящая голова.

«Фальшивое зеркало» написано Рене Магриттом в двух экземплярах. Оригинал был создан в 1928 году, хотя в различных источниках также упоминается 1929 год. Вторая версия датируется 1935 годом, однако она получила меньшую известность, чем ее изначальный вариант.

Композиция на картине представляет собой изображение крупным планом человеческого глаза. Однако это не обычный человеческий глаз. Его радужка изображена автором как ярко-голубое небо с плывущими по нему белыми облаками — символом мудрости и духовности, а их бесконечный путь по небесному куполу — путь духовного совершенства и личностного роста.

Глаз, в который мы смотрим, отображает то, что видит человек перед собой прямо сейчас, именно в эту секунду. Это то, чем он наслаждается. Это то, что рисует образ в его голове, когда он смотрит на что-либо или кого-либо. Органы чувств отражают лишь внешний облик вещей, их структуру или запах. Но они не способны передать глубины мира, глубины каждой из самых обычных вещей и предметов, в которую верил Рене Магритт. Но только не глаза. Ведь, как говорят, глаза — зеркало души.

взору. Недосягаемое помогает уловить смысл бытия, так как наше сознание в поисках истины начинает блуждать по самым далеким и скрытым местам вселенной, познавая ее и понимая. Только из бесконечно далеких друг от друга реальностей может родиться новый, неповторимый образ…

В условиях современности картина послужила источником вдохновения для создания логотипа американской телерадиосети «CBS», который был создан в 1952 году Уильямом Голденом. Так, на логотипе отображен человеческий глаз, находящейся в центре круга.

Знаменитое эссе Мишеля Фуко «Это не трубка», в котором подвергается разбору не менее знаменитая картина Рене Магритта «Вероломство образов», привлекает внимание исследователей прежде всего как оригинальный философский комментарий к знаковому произведению современного искусства.

Речь идет о том, чтобы выявить политические смыслы, содержащиеся в эстетических построениях Фуко. С этой целью в первой части статьи предпринимается попытка реконструировать представления Магритта о природе и назначении живописи, о соотношениях вещи, образа и высказывания, о сходстве и подобии, которые сам он нашел весьма созвучными соображениям Фуко, изложенным в книге «Слова и вещи».

Во второй части работы, сконцентрированной на анализе текста Фуко о Магритте, выявляются существенные расхождения между авторской интенцией и интерпретацией философа, который хотя и опирается на идеи художника, но перетолковывает их весьма своеобразно.

В заключительной части статьи формулируются три основных принципа эмансипированного эстетического суждения, которые можно извлечь из новаторского подхода Фуко к толкованию творчества Магритта. Обращение к теории Жака Рансьера позволяет продемонстрировать не только политическое значение указанных принципов, но и их действенность и актуальность в современных реалиях.

Целесообразно отметить, что многие сюрреалисты не увязывали сюжет своих картин с их названиями. Однако если уделить немного времени и внимания деталям, то вполне возможно хотя бы попытаться разгадать очередной ребус бельгийского художника.

Солнечный день в одном из тысяч типичных городов. Мужчины в скучных серых пальто и таких же серых котелках, словно капли дождя, зависли в воздухе. Их настолько много, что они создают «стадо», напоминающее наше общество — обезличенное, не имеющие индивидуальности.

Картина «Голконда» представляет собой отражение человека в социуме. Несмотря на то, что мы в большинстве своем создаем лишь массу, умерщвляющую личность, по-отдельности каждый имеет собственную индивидуальность. Если присмотреться к мужчинам на картине, создается уверенное впечатление, что нет ни одного похожего друг на друга джентльмена.

Можно предположить, почему картина носит именно такое название. Расположение мужчин на холсте напоминает схему кристаллической структуры алмаза. Но при чем здесь это? Если, на первый взгляд, кажется, что общество — это хаотичное скопление людей, то, углубляясь, можно понять, что это определенная жесткая иерархия, в котором для каждого человека есть свое место, каждому отведена определенная роль и все существуют созависимо друг с другом. Однако это лишь предположения.

Сам Магритт, хоть никогда и не объяснял свои произведения, «Голконду» комментировал как картину, демонстрирующую монотонность толпы и одиночество человека, который может стать самим собой лишь в полной гармонии и уединении.

Однажды коллекционер Гарри Торчинер заказал автопортрет Рене Магритта, однако художнику было сложно нарисовать себя самого таким, какой он есть. Поэтому Рене прикрыл свое лицо зеленым яблоком. Таким образом, Магритт нарисовал не себя, а некого анонима в шляпе-котелке и дал ему имя «Сын Человеческий».

Центральная фигура на картине — мужчина в официальном длинном пиджаке, из-за которого создается видимость непропорционально вытянутого тела, в белой рубашке с красным галстуком и в черном котелке. Впоследствии именно этот элемент туалета не раз прослеживался в полотнах художника.

Несмотря на внешне презентабельный вид, зритель никогда не сможет узнать наверняка, какую личность, какие секреты скрывает «Сын Человеческий», не сможет познать его суть из-за одной маленькой детали — яблока.

Есть несколько версий, что именно символизирует яркое зеленый фрукт на картине. Одна версия дополняет другую. И все же, если опираться на название, Райский плод — яблоко — запустил необратимый процесс зарождения человеческой жизни на Земле. Исходя из христианских соображений, можно предположить, что на картине изображен сюрреалистичный образ Иисуса Христа.

Другая версия заключается в психологическом восприятии предметов. Мужчина, изображенный на картине, ничем не отличается от миллиона других мужчин в костюме и шляпе тех времен. Однако зрительно становится до жути интересно взглянуть на его, вероятно, серое и обычное лицо. Человек хочет видеть то, что пытаются скрыть от его глаз. И именно на человеческом любопытстве сыграл Рене. Он говорил: «Видимое всегда прячет за собой еще одно видимое».