Театр и живопись. XVIII век

Живопись, театр, скульптура, архитектура, музыка объединены одним термином — искусство. Все виды искусства неразрывно связаны и эта связь очень четко прослеживается. Великий советский и российский искусствовед С. М. Даниэль писал следующее: «Картина —это модель театра вселенной, экспериментальная площадка, на которой проигрываются новые сюжетно — композиционные ситуации, осваивается новое соотношение между человеком и средой, новое место человека в земном, горизонтальном мире».

Театральность в живописи проявлялась с самого начала истории живописи, ведь художник при написании полотна работает как постановщик, режиссер и костюмер. Каждая картина — это мини-жизнь, мини-театр внутри.

Рассмотрим исторический контекст эпохи на примере Франции. Эта страна становится законодательницей мод, вместо Италии, которая определяла течение направлений искусства начиная с античности. Но с XVIII века пальму первенства переняла Франция. Теперь все новые стили развиваются там.

Если все его правление описать одной фразой, то это его слова «Государство — это я». После его ухода из жизни остается единственный наследник — десятилетний Людовик XV. Сначала во Франции начинается период регентства — Мадемуазель де Помпадур распоряжается порядками в стране, жизнь при ней становится спокойной, мирной и размеренной. Сфера искусства развивается очень стремительно, начинаются заимствования мод с востока — так возникает стиль Шинуазри (китайщина). Ближе к середине века начинает править сам Людовик XV. Его правление можно описать одной его фразой «После нас хоть потоп» — теперь принято жить для себя, во главе жизни людей — гедонизм и торжество наслаждения. Однако и в годы правления наследника Мадам де Помпадур все также является законодательницей мод. Получается, что XVIII века в основном определено вкусом одной женщины. Помпадур любила театр, поэтому театральное искусство развивалось, поощрялось.

Комедия дель арте — это итальянская комедия, в которой есть три вида героев пьесы: дзанни (горожане), господа и влюбленные. Влюбленные не носили маски и по их костюмам можно было отследить модные тенденции того времени.

Дзанни и господа — были в масках и характерных костюмах. Актёры, играющие в масках, исполняли всю жизнь одну и ту же роль. Сценария в пьесах не существовало, поэтому актеры чувствовали героев и их характеры, за которого они играют и каждая пьеса отличалась от предыдущей.

Творчество Антуана Ватто нельзя отнести к какому-то одному направлению. Художник не укладывается в рамки единого стиля, например, его нельзя считать рокайльным художником. Ватто называют художником галантных празднеств, он изображает беспечную жизнь первого сословия. Все происходящее на полотнах театрально. Персонажи играют в любовь, в чувства, как на сцене театра, который посещало все образованное общество XVIII века. Также Ватто часто изображал актеров Французского и Итальянского театра (Комедии Дель Арте.

Первый герой из легендарной комедии Дель Арте, которого мы рассмотрим, будет Пьеро. На картине «Жиль» кисти Ватто изображен актер в костюме Пьеро. Он стоит на переднем плане, будто на сцене театра. Его эмоции выразительны. Далее на втором плане, словно за сценой находятся другие актеры, они увлечены беседой, все их эмоции выразительны и отчетливо считываются. Словно они носят маски и все игры на сцене. Стоит сказать, что пейзаж также ненатурален, выдуман, нереален и подчиняется рамкам театральности. Это придает ему характер декорации.

Другие персонажи комедии дель арте — Меццетен, Арлекин и Коломбина.

Слева на картине мы видим Меццетена. Мецетен — это герой комедии дель арте. Его считают шутом и хитрецом. На картине он играет серенаду своей возлюбленной. Тема любви также имела много внимания в галантном веке. Мецетен одет в сценический костюм и сидит также в листве, которая напоминает занавес. Мы погружаемся в сюжет, можно понять как автор заложил смысл в то, что фигура девушки также отвернулась от певца. В этом сюжете возникает ироничность сцены и вызывает эмоции.

Арлекин — это герой, который попадает в комичные ситуации, вызывает смех у зрителей. Его костюм состоит из лоскутков, что подчеркивает его бедность. Арлекин находится в маске, он пугает Коломбину. Эмоции всех героев усилены, страх девушки подчеркнут жестами. Вся сцена напоминает театральное действо.

На полотне «Итальянские комедианты» мы видим актеров на сцене. Они закончили представление и все также играют роли, не только во время пьесы, но и после нее ведь вся жизнь театральна.

Ранний период творчества Франциско Гойя наполнен множеством работ на театральные мотивы, портретами современников и простых горожан. Колорит работ светлый, теплый, жизнерадостный. Такими, например, являются работы «Марионетка» и «Странствующие комедианты».

Марионетка — сама по себе театральная кукла. Фигры девушек выстроились в круг — их сомкнутые руки образуют круг — своеобразную сцену, на которой должна быть марионетка.

На полотне «Странствующие комедианты» мы видим героев комедии дель арте. Арлекин в его лоскутном костюме, Коломбина и Пьеро — главные герои полотна. На их лицах маски, они стоят на сцене и показывают представление.

Театр на этой работе изображен без прикрас, Гойя с помощью своего «дрожащего» мазка показывает характеры героев и также такой неспокойный мазок подчеркивает иллюзорность сцены и мимолетность жизни-игры.

Фрагонар — художник передающий атмосферу беззаботности, легкости и мимолетности мгновения. Зачастую при рассматривании его работ, нам кажется, будто мы подсматриваем за героями, за их интимными моментами. Такой же эффект возникает при рассмотрении постановок на сцене из зрительного зала.

Первое произведение, которое мы рассмотрим — «Задвижка». На полотне разворачивается действие, происходящее в спальне. Девушка и юноша в порыве страсти закрывают задвижку на двери, чтобы никто и ничто не помешало их любви. Интерьер комнаты сам по себе напоминает декорации театра. Свет, льющийся из правого угла, словно прожектор освещает фигуры влюбленных. Красный балдахин также отсылает нас к театральным декорациям. А символы: яблоко (искушение) и упавший стул (грехопадение) — усиливают роль Фрагонара как режиссёра, ведь в то, что будет происходить в комнате пойдет по уже написанному сценарию.

«Выигранный поцелуй» передает атмосферу беззаботности и игры в любовь. Девочка проиграла в карты и должна отплатить поцелуем молодому человеку, в ее лице есть притворные сопротивление, подруга держит ее за руку. Однако нет истинного сопротивления, персонажи по-прежнему играют на полотне. Обстановка, в которой находятся герои также носит декоративный характер, предметы быта театрализованы. Перед нами игра в чувства.

Еще два произведения, которые хочется рассмотреть вместе: «Девочка в постели, играющая с собачкой», «Поцелуй украдкой». Они также объединены эффектом таинственности и лиричности.

Обстановка первой картины уже придает ей театрализованный характер. Драпировки балдахина создают настроение игры и сосредотачивают внимание зрителя на фигурах девочки и собачки. Детское умиление, игра и беспечность — то, что характерно для легких театральных постановок/пьес.

«Поцелуй украдкой» — сохраняет таинственность происходящего, ведь мы «подглядываем» за главными героями, которые скрылись от общества.

Творчество Франсуа Буше — квинтэссенция стиля рококо. Гедонизм, фривольность доходят до предела в его картинах.

Также на его полотнах часто присутствует мотив кулис — тяжёлые драпировки струятся в углах композиции. Такой прием придает не только театральность сюжету, но и подчеркивает богатство атмосферы и материальный достаток изображенных. Этот мотив можно заметить на предложенных ниже картинах.

«Геркулес и Омфала» — сцена, где показана кульминация страсти. Большую драматичность и концентрацию на моменте придают переплетенные розовые драпировки в левом краю полотна.

В портрете Мадам де Помпадур нет такой страсти, как на левом полотне. Здесь драпировки подчеркивают роскошь и богатство интерьера.