Игра света и тени в живописи импрессионизма

Искусство всегда являлось отражением веяний и настроений общества. Импрессионизм, будучи одним из крупнейших течений XIX–XX веков, был своеобразным прорывом во всех отношениях; во-первых, он возник вследствие появление нового способа хранения масляных красок: теперь их заливали в металлические тубы, которые было удобно брать с собой (до этого использовали специальные кожаные мешочки); также вместо громоздких конструкций появились компактные этюдники. Из-за этих новшеств появился жанр пленэрной живописи: художники выходили на улицу и писали картины, пытаясь уловить уходящий момент. Во-вторых, импрессионисты отличались восприятием окружающей действительности: во время работы над холстом они не использовали свои знания автономно, а старались передавать то, что видел их глаз здесь и сейчас. Именно поэтому это направление отличается характерными мазками, яркими рефлексами и светом, тепло-холодными цветами. Так художники концентрировались не на том, как мир «должен» выглядеть, а на том, как он выглядит здесь и сейчас.

Отбросив четкий рисунок и линии, импрессионисты изображали объект и его взаимодействия со световоздушной средой. Художники игнорировали объём и текстуру изображаемых предметов и выстраиваемую композицию на холсте, поэтому картины получались «плоскими», близкими к 2D графике. Именно подобный характер работ отличает импрессионизм от остальных направлений. Большая разница в уделяемом внимании цвету и форме будет роком, преследующим живописцев на протяжении всех их деятельности, и конфликтом для художников-потомков импрессионизма (представителей постимпрессионизма, неоимпрессионизма, экспрессионизма и других).

Импрессионизм также был своеобразным «ответом» на академические правила и константы. Молодых художников не устраивали цели и направления классического искусства, поэтому они искали свой ответ на происходящее в окружающем мире и свой способ выражения мыслей. Это, впрочем, не нравилось критикам: живописцев обвиняли в «аморальности» и «мятежных настроениях», называя их картины «покушением на искусство». Однако бунтарская натура импрессионистов не была сломлена подобными комментариями, и сейчас их творения являются важным наследием искусства.

По сей день картины импрессионистов чаруют и завораживают. Мое визуальное исследование является попыткой понять приемы мастеров того времени, узнать, как через цвет они передавали неуловимый контраст между светом и тенью, проносящимся сквозь сутки. Задачей так же является поиск ответа на вопросы: как через цвет передавалось разное время года или суток в том или ином пространстве?

В данной работе я провела анализ работ импрессионистов второй половины XIX века.

— Тёпло-холодность — Контрастность — Эфемерность образов — Движение мазка и ритм — Синева дальнего плана — Вывод

При упоминании импрессионистов одним из первых на ум приходит Клод Моне. В работе «Бульвар Капуцинок в Париже» художника интересовали не столько архитектурные особенности города, сколько его общий облик в целом. Картина написана так, словно на пейзаж брошен случайный взгляд: толпы людей, изображенные несколькими мазками, мужские силуэты, высовывающиеся из окна. Особый шарм общей композиции придаёт четкое разделение пространства на свет и тень. Этот контраст становится более заметен, поскольку тень на картине холодная, чуть ли не синяя, в отличие от светлой части улицы. А свет подчиняет себе оставшееся пространство: на дальнем плане нет четкой проработки пейзажа, лишь условные формы. Подобный прием придает работе «звонкий» вид: чувствуется свежий воздух, характерный для начала весеннего дня.

Использование этого же приема можно увидеть в его картине «Стог сена около Живерни». Здесь тёпло-холодность также нужна для передачи света и тени: создается ощущение луга, залитого солнечными лучами. Задний план тоже изображен с помощью холодных оттенков, что в полной мере характеризует пространство, которое пытался уловить художник. Передний же план написан с вкраплениями теплых цветов, что делает тень более объемной.

Тёпло-холодность используется и в других работах импрессионистов. Так, например, на работе Фландрена Жюль Леона «Дорога, освещённая солнцем», свет и тень не так контрастны по тону. Однако из-за большой разницы оттенков зритель может наблюдать тень и свет на своих местах. Небольшая толпа, изображенная несколькими мазками холодных цветов, тоже находится в тени, что придает картине целостность и нужный объём.

Этот же прием использует Пьер Огюст Ренуар в своем творчестве. Например, на картине «В саду» важен не столько контраст между светом и тенью, сколько создание свето-воздушного пространства. Тонкие голубые тени от деревьев придают небольшому пространству сада глубину. А тени, падающие на фигуру героини картины, придают композиции дополнительный объём.

Арман Гийомен использует этот приём, работая с масляной пастелью. Холодными штрихами изображено воздушное пространство неба и тени, падающую на траву. С помощью холодных, совсем синих уточнений, лугу придается объём и движение. Теплым светом же залиты крыши: так показано, что эти объекты, на которых отражается солнце, ближе всего к зрителю. Тени от них уже холодные и светлые — такой контраст и помогает полностью ощутить глубину пространства.

Так, одним из прослеживающихся паттернов в работах импрессионистов является использование тёпло-холодных цветов. С помощью них создаётся контраст между светом и тенью, даже если по тону оттенки не сильно отличаются друг от друга.

Этот приём довольно часто используется импрессионистами. С помощью него, к примеру, Клод Моне в своих работах, посвященных сюжетам в саду, отделяет главных героев от глубины темной листвы.

Сюжет картины «Камилла Моне на скамейке в саду» более трагичен, чем предыдущие. Жена художника получила известие о смерти отца (в руке она держит конверт). Позади неё стоит мужчина — сосед Клода Моне (хотя некоторые интерпретируют его как саму смерть). Их силуэты находятся в тени, черная одежда сильно выделяется на светлом фоне, на котором женщина с зонтиком смотрит на залитую светом клумбу. Её роль и личность в картине до сих пор остается загадкой — возможно, это отображение неумолимости жизни, которая продолжается несмотря на смерть и которая не может существовать без неё же.

В картинах «Лягушатник» и «Купальщицы в лягушатнике» Клод Моне через контрасты передаёт ощущение ряби на воде. Несмотря на хаотичность мазков, именно благодаря большой разнице тонов света и тени изображается характер водоёма именно в тот момент, когда художник писал картину.

Сюжет из того же места есть у Пьера Огюст Ренуара. Немудрено: художники работали бок о бок, изображая одинаковый сюжет схожими приёмами. Но если Клод Моне был больше заинтересован в изображении свето-воздушного пространства, то Пьер Огюст Ренуар сосредоточился на жанровой сцене. В ней также играет большую роль контраст: толпа на заднем плане смешалась в темных мазках, в то время как люди впереди изображены более светлыми оттенками.

Некоторые спорят, стоит ли причислять Эдуарда Мане к импрессионистам, однако характер его некоторых картин исключительно такой. Например, работа «В саду»: обрезанная композиция, движение мазков и изображения света — все это свидетельствует о том, что Мане смотрел на своих молодых коллег, Моне и Ренуара. Есть предположения о том, что это первая картина, которую Мане писал на пленэре. Здесь платье модели сильно контрастирует с темной фигурой мужчины позади неё — так создаётся ощущение света и глубина пространства.

Похожий приём используется в картине «Завтрак на траве» того же автора. Фигура героини сильно выделяется, она выглядит «плоской» по сравнению с «объёмными» героями (это еще сильнее заметно на этюде к этой работе). Картина с помощью контрастов разделена на два плана: сцена с беседующими людьми является как бы открывающей, впускающей зрителя в пространство, что придаёт глубину композиции. Существует трактовка, что с помощью подобного контраста между героями, Мане отобразил неравенство полов, разницу между воспринимаемыми нормами поведения мужчин и женщин.

Итак, с помощью контраста художники разделяли картину на передние и дальние планы, выделяли важные элементы и создавали определенное настроение работе.

Под этим названием я имею в виду ощущение дымки в работах. Но для чего именно художники используют такой прием?

«Дымка» сильно заметна в серии работ Моне, посвященных вокзалу Сен-Лазар. Кроме изображения видимых глазу элементов, например, пару от транспорта, эфемерность образов позволяет художнику запечатлеть момент и впечатление от него. Через эту серию Моне передаёт восторг от мощного человеческого прогресса, неумолимого перед природными условиями, и раскрывает свое видение нового времени.

Похожий характер картин прослеживается в серии работ с «Руанским собором». С помощью «размытых» образов Моне передает ощущение времени суток и то, как собор встречает их. Также раскрывается сущность этого святого места, его неуловимость земным взглядом.

В такой же дымке Клод Моне изобразил более земной сюжет. С помощью «главных героев» и их окружения серии со стогами сена, художник раскрывает красоту природы, её великолепие и изменчивость.

Эффект тумана возможно создать и через яркий образ. С помощью этого приёма Арман Гийомен создал запоминающуюся композицию: густая листва на первом плане, виднеющиеся руины на втором — такой же сюжет о скоротечности времени. Таким же, как сейчас, этот вид никогда не будет, и художник запечатлел его.

Похожим приемом пользовался и Пьер Огюст-Ренуар. В своей работе он использовал более темные оттенки, но все равно достигал эффекта тумана: объекты на картине ниже размыты, сливаются с остальным пространством. Впечатлившись поездкой в Алжир, художник изменил обычным принципам написания картин и создал «Алжирский пейзаж». Благодаря эфемерности образов передается непокорность природы, незнакомой художнику, изменчивость и непостоянность пейзажа. Дальний же план «расплывается», что придаёт работе глубину.

Эфемерность образов использовалась художниками, чтобы запечатлеть определенный момент времени. Несмотря на общую неконтрастность работ, они привлекают взгляд зрителя и погружают его в композицию.

Одной из отличительный черт работ импрессионизма являются ярко выраженные мазки кистью. Именно подобное обращение с материалом так сильно выделяет это направление среди остальных.

Например, в работе «Прогулка. Дама с зонтиком» четко прослеживается ритм как в общем плане (тени — фигура героини — маленькая фигура на заднем плане, к которой тянутся облака), так и в деталях (складки на платье). Благодаря движению мазков создается ощущение воздушности — модель будто вот-вот улетит к небу.

Ритм прослеживается и в другой, самой скандальной работе Моне. Именно после неё критик Луи Леруа, посетивший выставку, пренебрежительно окрестил художников кличкой «импрессионисты», которая впоследствии была этими художниками подхвачена. Корабли, уходящие вдаль и размывающиеся на заднем плане, создают ощущение глубины пространства. Ярко выраженными мазками написаны вода и небо — так передаются их движения и характер (спокойный у воды и пробуждающийся у неба). Ярче всего заметно чуть ли не красное солнце; выделить его удалось также с помощью характерных мазков-отражений в воде.

Характерными мазками работал и Анри Матисс. Несколькими движениями он передал статность стройных деревьев и то, как их листва подчиняется ветру. Ритм самих силуэтов и теней от них придаёт пространству глубины, как бы приглашая зрителя пройтись по дороге.

Мазками передавали непостоянство не только природы, но и человеческой фигуры в движении. Грубые мазки заметны в одной из работ Бернара. В силуэтах людей прослеживается ритм: внимание зрителя и остальных персонажей картины сосредоточено на танцующей героине, она возвышается над сидящими. Что интересно, само движение фигуры отображено мазками через тень на стене. Она неуловима, как и момент, который хотел передать художник.

Передать человеческую натуру через танец стремился и Эдгар Дега. Движениями кисти он изображал пышные пачки балерин и их непостоянное состояние. Например, в картине «Танцовщицы. Розовый и зелёный» художник раскрыл волнение героинь перед выступлением. Зрителю не видны их лица, однако по движению фигур читается их предвкушение: кто-то поправляет костюм, кто-то делает прическу аккуратней, кто-то смотрит из-за стены на происходящее. Платья, отражающие закулисный свет, поддерживают настроение картины. Они переданы мазками, направленными вниз, словно в ожидании времени, когда им придется выступить.

В картине «Голубые танцовщицы» художник тоже не уделяет особого внимания проработке самих моделей; он заинтересован в отображении общего сюжета и его характера. Ритм, который выстраивается из положения героинь, стремится наверх; возможно, здесь можно проследить метафору о возвышенности искусства. Благодаря мазкам создается ощущение фактуры платьев и их движения, следующего за танцем. Интересно, что тени более насыщены, чем освещенные места, а рефлексы от одежды на спине выражено-синие. Такое решение художника погружает зрителя в атмосферу картины, приближает его к героиням.

Менее загадочный сюжет есть в другой картине художника. Здесь юные балерины разминаются, готовясь к предстоящим репетициями. В отличие от предыдущих работ, в этой видимыми мазками написано окружение героинь; они же изображены более аккуратно. Подобный приём позволяет художнику отделить персонажей от фона, и сосредоточить внимание зрителя на главном. Вниманием зрителя управляет и ритм картины: лейка — уходящая балетная балка — фигуры танцовщиц. Кроме этого, лейка придаёт картине будничности, позволяя художнику запечатлеть именно этот момент: может, этот предмет случайно был поставлен сюда только сегодня?

Таким образом, движение мазков не только придаёт работе «материальности», но и характеризует движение сюжетов, изображаемых в ней. Ритм же в основном используется для передачи глубины пространства.

Подобный приём было решено вынести отдельно, так как он может сосуществовать с вышеперечисленными. Частота использования независимых друг от друга художников также позволяет вынести его как отдельный паттерн при написании картин. С помощью него художники отображали пространство, уходящее вдаль.

Этим приёмом, например, пользовался Клод Моне. В картине «Стог сена в Живерне» он отделяет дальний и задний планы тёпло-холодными оттенками, заметно уводя в синеву деревья.

В других картинах Клода Моне передний план тоже изображен холодными оттенками, однако из-за «синей» дали ощущение глубины пространства не нарушается.

Этот же приём можно заметить и у Огюста-Ренуара. В картине «Неаполитанский залив, утром» задний план почти сливается с небом. Так передаётся отдаленность гор и их величие перед людскими изобретениями.

Работы импрессионистов действительно завораживают живостью и «свежестью» художественных приёмов (на момент второй половины XIX века). Бунтари-живописцы привнесли в мир искусства нечто новое и до этого неизвестное, чем вызвали множество скандалов. Возможно, некоторые обвинения критиков были озвучены небезосновательно, но нельзя отрицать тот факт, что импрессионисты навсегда изменили восприятие и ход развития искусства.

Мне кажется, что философия импрессионизма положила начало прекрасной идеи о том, что искусство может быть любым. Для этого течения важен не изображаемый объект, а то, как именно он будет передан на холсте. Это уникальная возможность взглянуть на мир через «объектив» художника, ценность которой, впрочем, определяется смотрящим. Но в конце концов неоспоримо то, что вклад импрессионистов в искусство огромен.